Avet Rubenovich Terterian (Avet Terterian) |

Terterian Avet

… Avet Terteryan er en komponist for hvem symfonisme er et naturlig uttrykksmiddel. K. Meyer

Sannelig, det er dager og øyeblikk som psykologisk og følelsesmessig oppveier mange og mange år, blir et slags vendepunkt i en persons liv, bestemmer skjebnen hans, yrket. For en tolv år gammel gutt, senere den berømte sovjetiske komponisten Avet Terteryan, ble dagene for oppholdet til Sergei Prokofjev og vennene hans i huset til Avets foreldre, i Baku, på slutten av 1941, så korte, men intense. . Prokofievs måte å holde seg på, snakke, uttrykke sin mening åpent , definitivt klar og start hver dag med jobb. Og så komponerte han operaen "Krig og fred", og om morgenen stormet de fantastiske, strålende musikklydene fra stuen, der pianoet sto.

Gjestene dro, men noen år senere, da spørsmålet dukket opp om å velge et yrke – om han skulle følge i fotsporene til faren til en medisinsk skole eller velge noe annet – bestemte den unge mannen seg bestemt – til en musikkskole. Avet fikk sin primære musikalske utdannelse fra en familie som var ekstremt musikalsk – faren, en kjent laryngolog i Baku, ble fra tid til annen invitert til å synge tittelrollene i operaene av P. Tchaikovsky og G. Verdi, hans mor hadde en utmerket dramatisk sopran, ble hans yngre bror Herman senere dirigent.

Den armenske komponisten A. Satyan, forfatteren av svært populære sanger i Armenia, samt den kjente læreren G. Litinsky, mens han var i Baku, rådet Terteryan sterkt til å dra til Jerevan og studere komposisjon seriøst. Og snart kom Avet inn i Yerevan-konservatoriet, i komposisjonsklassen til E. Mirzoyan. Under studiene skrev han Sonata for cello og piano, som ble tildelt en pris ved den republikanske konkurransen og ved All-Union Review of Young Composers, romanser på ordene fra russiske og armenske poeter, kvartetten i C-dur, vokal-symfonisk syklus "Motherland" - et verk som gir ham en virkelig suksess, tildelt All-Union-prisen ved Young Composers Competition i 1962, og et år senere, under ledelse av A. Zhuraitis, lyder det i Hall of Kolonner.

Etter den første suksessen kom de første prøvelsene knyttet til den vokal-symfoniske syklusen kalt "Revolution". Den første fremføringen av verket var også den siste. Arbeidet var imidlertid ikke forgjeves. De bemerkelsesverdige versene til den armenske poeten, revolusjonens sanger, Yeghishe Charents, fanget komponistens fantasi med sin mektige kraft, historiske lyd, publisistiske intensitet. Det var da, i perioden med kreativ fiasko, at en intens opphopning av krefter fant sted og hovedtemaet for kreativitet ble dannet. Så, i en alder av 35, visste komponisten med sikkerhet - hvis du ikke har det, bør du ikke engang engasjere deg i komposisjon, og i fremtiden vil han bevise fordelen med dette synet: sitt eget hovedtema ... Det oppsto i sammenslåingen av konseptene - Motherland og Revolution, dialektisk bevissthet om disse mengdene, dramatiske karakteren av deres interaksjon. Ideen om å skrive en opera gjennomsyret av de høye moralske motivene til Charents' poesi sendte komponisten på leting etter et skarpt revolusjonært plot. Journalisten V. Shakhnazaryan, tiltrukket av å jobbe som librittist, foreslo snart – B. Lavrenevs historie "Forty-First". Operaens handling ble overført til Armenia, hvor det i de samme årene pågikk revolusjonære kamper i fjellene i Zangezur. Heltene var en bondepike og en løytnant fra de tidligere førrevolusjonære troppene. Charents lidenskapelige vers ble hørt i operaen av leseren, i koret og i solopartier.

Operaen fikk bred respons, ble anerkjent som et lyst, talentfullt, nyskapende verk. Noen år etter premieren i Jerevan (1967) ble den fremført på scenen til teatret i Halle (DDR), og i 1978 åpnet den International Festival of GF Handel, som arrangeres årlig i komponistens hjemland.

Etter å ha laget operaen, skriver komponisten 6 symfonier. Muligheten for filosofisk forståelse i de symfoniske rommene til de samme bildene, de samme temaene tiltrekker ham spesielt. Så dukker balletten «Richard III» basert på W. Shakespeare, operaen «Earthquake» basert på historien til den tyske forfatteren G. Kleist «Earthquake in Chile» og igjen symfoniene – Syvende, åttende – opp. Alle som minst én gang har lyttet nøye til en symfoni av Terteryaia, vil senere lett gjenkjenne musikken hans. Det er spesifikt, romlig, krever fokusert oppmerksomhet. Her er hver fremkommende lyd et bilde i seg selv, en idé, og vi følger med uflaggelig oppmerksomhet dens videre bevegelse, som skjebnen til en helt. Lydbildet til symfoniene når nesten sceneuttrykk: lydmasken, lydaktøren, som også er en poetisk metafor, og vi nøster opp i betydningen. Terteryans verk oppmuntrer lytteren til å vende sitt indre blikk til livets sanne verdier, til dets evige kilder, til å tenke på verdens skjørhet og dens skjønnhet. Derfor viser de poetiske toppene i Terterians symfonier og operaer seg alltid å være de enkleste melodiske frasene av folkelig opprinnelse, fremført enten av stemmen, det mest naturlige av instrumentene, eller av folkeinstrumenter. Slik lyder 2. del av den andre symfonien – en monofonisk barytonimprovisasjon; en episode fra den tredje symfonien – et ensemble av to duduker og to zurner; melodien til kamanchaen som gjennomsyrer hele syklusen i den femte symfonien; dapa-fest i den syvende; på den sjette toppen vil det være et kor, hvor det i stedet for ord er lydene av det armenske alfabetet "ayb, ben, gim, dan", etc. som et slags symbol på opplysning og spiritualitet. De enkleste, ser det ut til, symboler, men de har en dyp betydning. I dette gjenspeiler Terteryans arbeid kunsten til slike kunstnere som A. Tarkovsky og S. Parajanov. Hva handler dine symfonier om? spør lytterne Terteryan. "Om alt," svarer komponisten, og lar alle forstå innholdet.

Terterians symfonier fremføres på de mest prestisjefylte internasjonale musikkfestivalene – i Zagreb, hvor det holdes en gjennomgang av samtidsmusikk hver vår, på “Warszawa-høsten”, i Vest-Berlin. De låter også i vårt land – i Jerevan, Moskva, Leningrad, Tbilisi, Minsk, Tallinn, Novosibirsk, Saratov, Tasjkent … For en dirigent åpner Terteryans musikk muligheten til å bruke hans kreative potensiale som musiker veldig bredt. Utøveren her ser ut til å være inkludert i medforfatterskap. En interessant detalj: symfonier, avhengig av tolkningen, på evnen, som komponisten sier, til å "lytte til lyden", kan vare i forskjellige tider. Hans fjerde symfoni lød både 22 og 30 minutter, den syvende – og 27 og 38! Et slikt aktivt, kreativt samarbeid med komponisten inkluderte D. Khanjyan, en fantastisk tolker av hans første 4 symfonier. G. Rozhdestvensky, i hvis strålende fremføring den fjerde og femte ble låtet, A. Lazarev, i hvis fremføring den sjette symfonien klinger imponerende, skrevet for kammerorkester, kammerkor og 9 fonogrammer med en innspilling av et stort symfoniorkester, cembalo og cembalo. klokkespill.

Terteryans musikk inviterer også lytteren til medvirkning. Dens ledende mål er å forene den åndelige innsatsen til både komponisten, utøveren og lytteren i en utrettelig og vanskelig erkjennelse av livet.

M. Rukhkyan