Dinu Lipatti (Dinu Lipatti) |
Dino Lipatti
Navnet hans har lenge blitt historiens eiendom: omtrent fem tiår har gått siden kunstnerens død. I løpet av denne tiden har mange stjerner reist seg og satt seg på verdens konsertscener, flere generasjoner av fremragende pianister har vokst opp, nye trender innen scenekunst har blitt etablert – de som vanligvis kalles «moderne scenestil». Og i mellomtiden har arven etter Dinu Lipatti, i motsetning til arven fra mange andre store kunstnere fra første halvdel av vårt århundre, ikke blitt dekket med en "teft av et museum", har ikke mistet sin sjarm, sin friskhet: det viste seg å være hinsides moten, og dessuten fortsetter ikke bare å begeistre lyttere, men også påvirke nye generasjoner av pianister. Innspillingene hans er ikke en kilde til stolthet for samlere av gamle plater – de gis ut igjen og igjen, utsolgt umiddelbart. Alt dette skjer ikke fordi Lipatti fortsatt kunne vært blant oss, vært i sin beste alder, om ikke for en hensynsløs sykdom. Årsakene er dypere - i selve essensen av hans tidløse kunst, i den dype sannheten av følelsen, som om den er renset for alt ytre, forbigående, multipliserer kraften fra påvirkningen fra musikerens talent og på denne tiden avstand.
Få artister klarte å sette et så levende preg i minnet til mennesker på så kort tid, tildelt dem av skjebnen. Spesielt hvis vi husker at Lipatti på ingen måte var et vidunderbarn i allment akseptert betydning av ordet, og relativt sent startet omfattende konsertvirksomhet. Han vokste opp og utviklet seg i en musikalsk atmosfære: hans bestemor og mor var utmerkede pianister, faren var en lidenskapelig fiolinist (han tok til og med leksjoner fra P. Sarasate og K. Flesch). Med et ord er det ikke overraskende at den fremtidige musikeren, som ennå ikke kjenner alfabetet, fritt improviserte på pianoet. Barnslig munterhet ble på en bisarr måte kombinert i hans ukompliserte komposisjoner med overraskende alvor; En slik kombinasjon av umiddelbarhet av følelse og dybde i tankene ble værende senere, og ble et karakteristisk trekk ved en moden kunstner.
Den første læreren til den åtte år gamle Lipatti var komponisten M. Zhora. Etter å ha oppdaget eksepsjonelle pianistiske evner hos en student, overleverte han ham i 1928 til den berømte læreren Florika Muzychesk. I de samme årene hadde han en annen mentor og beskytter - George Enescu, som ble "gudfaren" til den unge musikeren, som fulgte hans utvikling nøye og hjalp ham. I en alder av 15 ble Lipatti uteksaminert med utmerkelser fra konservatoriet i Bucuresti, og vant snart Enescu-prisen for sitt første store verk, de symfoniske maleriene "Chetrari". Samtidig bestemte musikeren seg for å delta i den internasjonale pianokonkurransen i Wien, en av de mest "massive" når det gjelder antall deltakere i konkurransehistorien: da kom rundt 250 artister til den østerrikske hovedstaden. Lipatti ble nummer to (etter B. Kohn), men mange medlemmer av juryen kalte ham den virkelige vinneren. A. Cortot forlot til og med juryen i protest; i alle fall inviterte han umiddelbart den rumenske ungdommen til Paris.
Lipatti bodde i hovedstaden i Frankrike i fem år. Han forbedret seg med A. Cortot og I. Lefebur, gikk på klassen til Nadia Boulanger, tok dirigenttimer fra C. Munsch, komposisjon fra I. Stravinsky og P. Duke. Boulanger, som tok opp dusinvis av store komponister, sa dette om Lipatti: «En ekte musiker i ordets fulle betydning kan betraktes som en som vier seg helt til musikk og glemmer seg selv. Jeg kan trygt si at Lipatti er en av disse artistene. Og det er den beste forklaringen på min tro på ham.» Det var med Boulanger Lipatti gjorde sin første innspilling i 1937: Brahms' firhåndsdanser.
Samtidig begynte konsertaktiviteten til artisten. Allerede hans første forestillinger i Berlin og byene i Italia vakte alles oppmerksomhet. Etter hans parisiske debut sammenlignet kritikere ham med Horowitz og spådde enstemmig en lys fremtid for ham. Lipatti besøkte Sverige, Finland, Østerrike, Sveits, og overalt hadde han suksess. For hver konsert åpnet talentet seg med nye fasetter. Dette ble tilrettelagt av hans selvkritikk, hans kreative metode: før han brakte sin tolkning til scenen, oppnådde han ikke bare en perfekt beherskelse av teksten, men også en fullstendig sammensmeltning med musikken, noe som resulterte i den dypeste penetrasjonen i forfatterens intensjon.
Det er karakteristisk at han først de siste årene begynte å vende seg til Beethovens arv, og tidligere anså han seg som ikke klar for dette. En dag bemerket han at det tok ham fire år å forberede Beethovens femte konsert eller Tsjaikovskijs første. Dette snakker selvfølgelig ikke om hans begrensede evner, men bare om hans ekstreme krav til seg selv. Men hver av hans forestillinger er oppdagelsen av noe nytt. Pianisten forble nøye tro mot forfatterens tekst, og satte alltid i gang tolkningen med "fargene" til sin individualitet.
Et av disse tegnene på hans individualitet var den fantastiske naturligheten til frasering: ekstern enkelhet, klarhet i konsepter. Samtidig fant han for hver komponist spesielle pianofarger som samsvarte med hans eget verdensbilde. Hans Bach hørtes ut som en protest mot den magre "museums"-reproduksjonen av den store klassikeren. "Hvem våger å tenke på cembaloen mens han lytter til den første partitaen fremført av Lipatti, fylt med en så nervøs kraft, så melodiøs legato og en slik aristokratisk ynde?" utbrøt en av kritikerne. Mozart tiltrakk ham, først og fremst, ikke med ynde og letthet, men med spenning, til og med drama og styrke. "Ingen innrømmelser til galant stil," ser spillet hans ut til å si. Dette understrekes av rytmisk strenghet, slemme pedaling, energisk berøring. Hans forståelse av Chopin ligger på samme plan: ingen sentimentalitet, streng enkelhet, og på samme tid – en enorm følelseskraft …
Andre verdenskrig fant artisten i Sveits, på en annen turne. Han vendte tilbake til hjemlandet, fortsatte å opptre, komponere musikk. Men den kvelende atmosfæren i det fascistiske Romania undertrykte ham, og i 1943 klarte han å reise til Stockholm, og derfra til Sveits, som ble hans siste tilfluktssted. Han ledet utøvende avdeling og pianoklassen ved Genève-konservatoriet. Men akkurat i det øyeblikket krigen tok slutt og strålende utsikter åpnet seg for kunstneren, dukket de første tegnene på en uhelbredelig sykdom opp - leukemi. Han skriver bittert til sin lærer M. Zhora: «Da jeg var frisk, var kampen mot nød slitsom. Nå som jeg er syk, kommer det invitasjoner fra alle land. Jeg signerte engasjementer med Australia, Sør- og Nord-Amerika. For en skjebnens ironi! Men jeg gir meg ikke. Jeg vil kjempe uansett.»
Kampen fortsatte i årevis. Lange turer måtte avlyses. I andre halvdel av 40-tallet forlot han nesten ikke Sveits; unntaket var turene til London, hvor han debuterte i 1946 sammen med G. Karajan, mens han spilte Schumanns konsert under hans ledelse. Lipatti reiste senere til England flere ganger for å spille inn. Men i 1950 kunne han ikke lenger tåle en slik tur, og firmaet I-am-a sendte deres "team" til ham i Genève: i løpet av noen få dager, på bekostning av den største innsatsen, 14 Chopin-valser, Mozarts Sonate (nr. 8) ble spilt inn, Bach Partita (B-dur), Chopins 32. Mazurka. I august opptrådte han med orkesteret for siste gang: Mozarts konsert (nr. 21) lød, G. Karayan sto på podiet. Og 16. september tok Dinu Lipatti farvel med publikum i Besançon. Konsertprogrammet inkluderte Bachs Partita i B-dur, Mozarts Sonate, to improviserte av Schubert og alle 14 valser av Chopin. Han spilte bare 13 – den siste var ikke lenger sterk nok. Men i stedet for å innse at han aldri mer ville stå på scenen, fremførte artisten Bach-koralen, arrangert for piano av Myra Hess... Innspillingen av denne konserten ble et av de mest spennende, dramatiske dokumentene i vårt århundres musikalske historie...
Etter Lipattis død skrev hans lærer og venn A. Cortot: «Kjære Dinu, ditt midlertidige opphold blant oss førte deg ikke bare med felles samtykke til førsteplassen blant pianistene i din generasjon. Til minnet om de som lyttet til deg, etterlater du tilliten til at hvis skjebnen ikke hadde vært så grusom mot deg, ville navnet ditt blitt en legende, et eksempel på uselvisk tjeneste for kunsten. Tiden som har gått siden den gang har vist at Lipattis kunst forblir et slikt eksempel den dag i dag. Lydarven hans er relativt liten – bare rundt ni timer med opptak (hvis du teller repetisjoner). I tillegg til de ovennevnte komposisjonene, klarte han å fange på plater slike konserter av Bach (nr. 1), Chopin (nr. 1), Grieg, Schumann, skuespill av Bach, Mozart, Scarlatti, Liszt, Ravel, hans egne komposisjoner – Concertino i klassisk stil og Sonata for venstrehender … Det er nesten alt. Men alle som blir kjent med disse platene vil absolutt være enig i ordene til Florica Muzycescu: «Den kunstneriske talen han henvendte seg til folk med har alltid fanget publikum, den fanger også de som hører på hans spill på plata.»
Grigoriev L., Platek Ya.
