Andrey Yakovlevich Eshpay |

Andrey Eshpay

En enkelt harmoni – en verden i endring … Stemmen til enhver nasjon bør lyde i planetens polyfoni, og dette er mulig hvis en kunstner – forfatter, maler, komponist – uttrykker sine tanker og følelser på sitt eget figurative språk. Jo mer nasjonal en kunstner er, jo mer individuell er han. A. Eshpay

På mange måter forutbestemte kunstnerens biografi en ærbødig touch til originalen i kunsten. Komponistens far, Y. Eshpay, en av grunnleggerne av Mari profesjonell musikk, innpodet sønnen en kjærlighet til folkekunst med sitt uselviske arbeid. I følge A. Eshpay, "Far var betydningsfull, dyp, intelligent og taktfull, veldig beskjeden - en sann musiker som var i stand til selvfornektelse. Han var en stor kjenner av folklore, og så ut til å tre til side som forfatter, og så sin plikt i å formidle til folk skjønnheten og storheten i folketanken. Han innså at det var umulig å tilpasse den pentatoniske skalaen Mari … til ethvert annet harmonisk og uavhengig, men fremmed for folkekunstsystem. Jeg kan alltid gjenkjenne originalen fra min fars verk.»

A. Eshpay fra barndommen absorberte folkloren til forskjellige folk i Volga-regionen, hele det lyrisk-episke systemet i den harde ugriske regionen. Krigen ble et spesielt tragisk tema i komponistens liv og arbeid - han mistet sin eldre bror, hvis minne er dedikert til den vakre sangen "Muscovites" ("Ørring med Malaya Bronna"), venner. I rekognoseringspeltonen deltok Eshpay i frigjøringen av Warszawa, i Berlin-operasjonen. Musikktimer avbrutt av krigen ble gjenopptatt ved Moskva-konservatoriet, hvor Eshpay studerte komposisjon hos N. Rakov, N. Myaskovsky, E. Golubev og piano hos V. Sofronitsky. Han fullførte postgraduate studier under veiledning av A. Khachaturian i 1956.

På dette tidspunktet ble Symphonic Dances on Mari Themes (1951), Ungarske melodier for fiolin og orkester (1952), First Piano Concerto (1954, 2. utgave – 1987), First Fiolin Concerto (1956) laget. Disse verkene brakte bred berømmelse til komponisten, åpnet hovedtemaene i arbeidet hans, brøt kreativt forskriftene til lærerne hans. Det er karakteristisk at Khachaturian, som ifølge komponisten innpodet ham en "smak for skala", i stor grad påvirket Eshpais ideer om konsertsjangeren.

Spesielt veiledende er den første fiolinkonserten med sin temperamentsfulle eksplosivitet, friskhet, umiddelbarhet i uttrykket av følelser, åpne appell til folke- og sjangervokabular. Eshpay er også nær Khachaturian med sin kjærlighet til stilen til M. Ravel, som var spesielt uttalt i hans pianoverk (Første klaverkonsert, første klaversonatina – 1948). Harmoni, friskhet, emosjonell smittsomhet og koloristisk sjenerøsitet forener også disse mesterne.

Temaet til Myaskovsky er en spesiell del i arbeidet til Eshpay. Etiske posisjoner, selve bildet av en fremragende sovjetisk musiker, en sann vokter og reformator av tradisjon, viste seg å være et ideal for hans etterfølger. Komponisten forblir trofast mot Myaskovskys bud: "å være oppriktig, ivrig mot kunst og lede sin egen linje." Minneverk til minne om Myaskovsky er assosiert med navnet på læreren: Orgel Passacaglia (1950), Variations for Orchestra on a Theme of Myaskovsky's Sixteenth Symphony (1966), Second Fiolin Concerto (1977), Bratsjkonsert (1987-88), hvor materialet til orgelet Passacaglia ble brukt. Myaskovskys innflytelse på Eshpays holdning til folklore var veldig betydelig: etter sin lærer kom komponisten til en symbolsk tolkning av folkesanger, til konvergensen av forskjellige tradisjonelle lag i kulturen. Navnet Myaskovsky er også assosiert med en appell til en annen viktig tradisjon for Eshpay, som gjentas i mange komposisjoner, starter med balletten "Circle" ("Husk!" - 1979), - Znamenny sang. Først av alt, i Fourth (1980), Fifth (1986), Sixth (“Liturgical” Symphony (1988), Choral Concerto (1988) personifiserer den først og fremst det harmoniske, opplyste etosprinsippet, de opprinnelige egenskapene til nasjonal selvbevissthet, de grunnleggende prinsippene i russisk kultur. Spesiell betydning får et annet viktig tema i Eshpays verk – lyrisk. Med forankring i det tradisjonelle, blir det aldri til individualistisk vilkårlighet, dets umistelige egenskaper vektlegges tilbakeholdenhet og strenghet, objektivitet i uttrykk, og ofte en direkte forbindelse med borgerlige intonasjoner.

Løsningen av det militære temaet, sjangrene til minnesmerket, appellen til å snu hendelser – enten det er krig, historiske minneverdige datoer – er særegen, og tekstene er alltid til stede i deres forståelse. Slike verk som den første (1959), den andre (1962) symfoniene, gjennomsyret av lys (epigrafen til den første - ordene til V. Mayakovsky "Vi må fravriste gleden fra de kommende dagene", epigrafen til den andre - "Pris til lyset»), kantaten «Lenin med oss» (1968), som er kjent for sin plakataktige fengende, retoriske lysstyrke i uttrykket og samtidig det fineste lyriske landskap, la grunnlaget for en original stilistisk fusjon av oratorisk og lyrisk, objektiv og personlig, betydningsfull for komponistens hovedverk. Enheten av "gråt og ære, medlidenhet og ros" (D. Likhachev), så viktig for gammel russisk kultur, fortsetter i forskjellige sjangre. Spesielt fremtredende er den tredje symfonien (In Memory of My Father, 1964), den andre fiolin- og bratsjkonserten, en slags stor syklus – den fjerde, femte og sjette symfonien, korkonserten. Med årene får betydningen av det lyriske temaet symbolske og filosofiske overtoner, mer og mer renselse fra alt ytre, subjektivt-overfladisk, er minnesmerket kledd i form av en lignelse. Det er betydningsfullt å bytte det lyriske temaet fra eventyr-folklore og romantisk-heroisk fortelling i balletten Angara (1975) til det generaliserte bildespråket til advarselsballetten Circle (Remember!). Den universelle betydningen av verk-dedikasjoner gjennomsyret av en tragisk, noen ganger sørgelig mening, blir mer og mer åpenbar. Den økte oppfatningen av den moderne verdens konfliktkarakter og følsomheten til den kunstneriske reaksjonen på denne egenskapen er i samsvar med komponistens ansvar overfor arv og kultur. Kvintessensen av bilder er «Songs of the Mountain and Meadow Mari» (1983). Denne komposisjonen, sammen med konserten for obo og orkester (1982), ble tildelt Leninprisen.

Objektiv-lyrisk intonasjon og «kor»-lyd farger tolkningen av konsertsjangeren, som legemliggjør det individuelle prinsippet. Uttrykt i ulike former – et minnesmerke, en meditativ handling, i gjenskaping av folklore, i en appell til en omtenkt modell av en gammel concerto grosso, blir dette temaet konsekvent forsvart av komponisten. Samtidig, i konsertsjangeren, som i andre komposisjoner, utvikler komponisten lekne motiver, festivitas, teatraliteten, fargens letthet og rytmens modige energi. Dette er spesielt merkbart i Concerto for Orchestra (1966), Second Piano (1972), Oboe (1982) Concertos, og Concerto for Saxophone (1985-86) kan kalles et "portrett av improvisasjon". "En harmoni – en verden i endring" - disse ordene fra balletten "Circle" kan tjene som en epigraf til mesterens arbeid. Overføringen av harmonisk, festlig i en konflikt og komplisert verden er spesifikk for komponisten.

Samtidig med legemliggjørelsen av temaet tradisjoner, vender Eshpay seg alltid til det nye og det ukjente. Den organiske kombinasjonen av det tradisjonelle og det nyskapende er iboende både i synet på komponeringsprosessen og i selve komponistens verk. Bredden og friheten i å forstå kreative oppgaver gjenspeiles i selve tilnærmingen til sjangerstoff. Det er kjent at jazztemaet og vokabularet inntar en spesiell plass i komponistens arbeid. Jazz for ham er på en måte vokteren av musikken selv, så vel som folklore. Komponisten ga mye oppmerksomhet til massesangen og dens problemer, lett musikk, filmkunst, som er viktig med tanke på dramatisk og uttrykksfullt potensial, en kilde til uavhengige ideer. Musikkens verden og den levende virkeligheten vises i et organisk forhold: ifølge komponisten er "musikkens vidunderlige verden ikke lukket, ikke isolert, men er bare en del av universet, hvis navn er liv."

M. Lobanova