Leonid Kogan |
Leonid Kogan
Kogans kunst er kjent, verdsatt og elsket i nesten alle land i verden – i Europa og Asia, i USA og Canada, Sør-Amerika og Australia.
Kogan er et sterkt, dramatisk talent. Av natur og kunstnerisk individualitet er han det motsatte av Oistrakh. Sammen utgjør de så å si motpolene til den sovjetiske fiolinskolen, og illustrerer dens "lengde" når det gjelder stil og estetikk. Med stormfull dynamikk, patetisk oppstemthet, vektlagt konflikt, dristige kontraster, virker Kogans skuespill overraskende i harmoni med vår tidsalder. Denne kunstneren er skarpt moderne, lever med dagens uro, og reflekterer følsomt opplevelsene og bekymringene til verden rundt ham. Kogan er en nærbildekunstner, fremmed for glatthet, og ser ut til å streve mot konflikter, og resolutt avviser kompromisser. I dynamikken i spillet, i skarpe aksenter, i intonasjonens ekstatiske drama, er han i slekt med Heifetz.
Anmeldelser sier ofte at Kogan er like tilgjengelig for de lyse bildene av Mozart, heroismen og den tragiske patosen til Beethoven og den saftige glansen til Khachaturian. Men å si det, uten å skyggelegge egenskapene til forestillingen, betyr å ikke se artistens individualitet. I forhold til Kogan er dette spesielt uakseptabelt. Kogan er en kunstner av den lyseste individualitet. I hans spill, med en eksepsjonell sans for stilen til musikken han fremfører, fengsler alltid noe unikt hans eget, «Kogans», håndskriften hans er fast, resolut, og gir en klar lettelse til hver frase, konturene til meloene.
Påfallende er rytmen i Kogans skuespill, som fungerer som et kraftig dramatisk verktøy for ham. Jaget, full av liv, "nerve" og "tonal" spenning, konstruerer Kogans rytme virkelig formen, gir den kunstnerisk fullstendighet og gir kraft og vilje til utviklingen av musikk. Rytmen er sjelen, verkets liv. Rytmen i seg selv er både en musikalsk frase og noe som vi tilfredsstiller publikums estetiske behov med, som vi påvirker det med. Både karakteren til ideen og bildet – alt utføres gjennom rytme, ”taler Kogan selv om rytme.
I enhver anmeldelse av Kogans spill skiller seg alltid ut i utgangspunktet med besluttsomheten, maskuliniteten, emosjonaliteten og dramatikken i kunsten hans. "Kogans forestilling er en opphisset, selvsikker, lidenskapelig fortelling, en tale som flyter spent og lidenskapelig." "Kogans ytelse slår med indre styrke, varm emosjonell intensitet og samtidig med mykhet og en rekke nyanser," dette er de vanlige egenskapene.
Kogan er uvanlig for filosofi og refleksjon, vanlig blant mange samtidsutøvere. Han søker å avsløre i musikk hovedsakelig dens dramatiske effektivitet og emosjonalitet og gjennom dem å nærme seg den indre filosofiske betydningen. Hvor avslørende i denne forstand er hans egne ord om Bach: "Det er mye mer varme og menneskelighet i ham," sier Kogan, enn eksperter noen ganger tror, og forestiller seg Bach som "den store filosofen i det XNUMX. århundre." Jeg vil ikke gå glipp av muligheten til å følelsesmessig formidle musikken hans, slik den fortjener.
Kogan har den rikeste kunstneriske fantasien, som er født fra den direkte opplevelsen av musikk: «Hver gang oppdager han i verket fortsatt tilsynelatende ukjent skjønnhet og tror på det for lytterne. Derfor ser det ut til at Kogan ikke fremfører musikk, men så å si skaper den igjen.
Patetisme, temperament, het, impulsiv emosjonalitet, romantisk fantasi hindrer ikke Kogans kunst fra å være ekstremt enkel og streng. Spillet hans er blottet for pretensiøsitet, væremåte og spesielt sentimentalitet, det er modig i ordets fulle forstand. Kogan er en kunstner med fantastisk mental helse, en optimistisk oppfatning av livet, som er merkbar i hans fremføring av den mest tragiske musikken.
Vanligvis skiller Kogans biografer to perioder av hans kreative utvikling: den første med fokus hovedsakelig på virtuos litteratur (Paganini, Ernst, Venyavsky, Vietanne) og den andre med en ny vekt på et bredt spekter av klassisk og moderne fiolinlitteratur , samtidig som den opprettholder en virtuos ytelseslinje.
Kogan er en virtuos av høyeste klasse. Paganinis første konsert (i forfatterens utgave med E. Sores sjelden spilte vanskeligste cadenza), hans 24 capricci spilt på en kveld, vitner om en mesterskap som bare noen få oppnår i verdens fiolintolkning. I den formative perioden, sier Kogan, ble jeg sterkt påvirket av verkene til Paganini. "De var medvirkende til å tilpasse venstre hånd til gripebrettet, i å forstå fingerteknikker som ikke var "tradisjonelle". Jeg spiller med min egen spesielle fingersetting, som skiller seg fra den allment aksepterte. Og jeg gjør dette basert på klangmulighetene til fiolin og frasering, selv om ofte ikke alt her er akseptabelt med tanke på metodikk.
Men verken i fortiden eller nåtiden var Kogan glad i "ren" virtuositet. "En strålende virtuos, som mestret en enorm teknikk selv i barndommen og ungdommen, vokste Kogan opp og modnet veldig harmonisk. Han forsto den kloke sannheten at den mest svimlende teknikken og idealet om høykunst ikke er identiske, og at den første må gå "i tjeneste" til den andre. I opptredenen hans fikk Paganinis musikk et uhørt drama. Kogan føler perfekt "komponentene" i det kreative arbeidet til den briljante italieneren - en levende romantisk fantasi; kontraster av melos, fylt enten med bønn og sorg, eller med oratorisk patos; karakteristisk improvisasjon, trekk ved dramaturgi med klimaks som når grensen for følelsesmessig stress. Kogan og i virtuositet gikk "i dypet" av musikken, og derfor kom starten av den andre perioden som en naturlig fortsettelse av den første. Veien til fiolinistens kunstneriske utvikling ble faktisk bestemt mye tidligere.
Kogan ble født 14. november 1924 i Dnepropetrovsk. Han begynte å lære å spille fiolin i en alder av syv år på en lokal musikkskole. Hans første lærer var F. Yampolsky, som han studerte med i tre år. I 1934 ble Kogan brakt til Moskva. Her ble han tatt opp i en spesiell barnegruppe ved Moskva-konservatoriet, i klassen til professor A. Yampolsky. I 1935 dannet denne gruppen hovedkjernen i den nyåpnede Central Children's Music School ved Moscow State Conservatory.
Kogans talent vakte umiddelbart oppmerksomhet. Yampolsky skilte ham ut fra alle elevene hans. Professoren var så lidenskapelig og knyttet til Kogan at han bosatte ham hjemme. Konstant kommunikasjon med læreren ga mye til den fremtidige kunstneren. Han hadde muligheten til å bruke rådene sine hver dag, ikke bare i klasserommet, men også under leksene. Kogan så nysgjerrig på Yampolskys metoder i arbeidet med studenter, som senere hadde en gunstig effekt i hans egen undervisningspraksis. Yampolsky, en av de fremragende sovjetiske lærerne, utviklet i Kogan ikke bare den strålende teknikken og virtuositeten som forbløffer den moderne, så sofistikerte offentligheten, men la også høye prinsipper for ytelse i ham. Hovedsaken er at læreren riktig dannet studentens personlighet, enten å begrense impulsene fra hans egen vilje eller oppmuntre til aktiviteten hans. Allerede i studieårene i Kogan ble det avslørt en tendens til en stor konsertstil, monumentalitet, dramatisk-viljesterk, modig lager av spillet.
De begynte å snakke om Kogan i musikalske kretser veldig snart – bokstavelig talt etter den aller første forestillingen på festivalen for elever ved barnemusikkskoler i 1937. Yampolsky benyttet enhver anledning til å gi konserter med sin favoritt, og allerede i 1940 spilte Kogan Brahms-konserten for første gang med orkesteret. Da han kom inn på Moskva-konservatoriet (1943), var Kogan godt kjent i musikalske kretser.
I 1944 ble han solist i Moskva-filharmonien og foretok konsertturneer rundt om i landet. Krigen er ennå ikke over, men han er allerede på vei til Leningrad, som nettopp er befridd fra blokaden. Han opptrer i Kiev, Kharkov, Odessa, Lvov, Chernivtsi, Baku, Tbilisi, Jerevan, Riga, Tallinn, Voronezh, byene Sibir og Fjernøsten, og når Ulaanbaatar. Hans virtuositet og slående kunstnerskap forbløffer, fengsler, begeistrer lyttere overalt.
Høsten 1947 deltok Kogan i I World Festival of Democratic Youth i Praha, og vant (sammen med Y. Sitkovetsky og I. Bezrodny) førsteprisen; våren 1948 tok han eksamen fra konservatoriet, og i 1949 begynte han på forskerskolen.
Etterutdanning avslører et annet trekk ved Kogan – ønsket om å studere fremført musikk. Han spiller ikke bare, men skriver en avhandling om arbeidet til Henryk Wieniawski og tar dette arbeidet ekstremt alvorlig.
I det aller første året av postgraduate studier overrasket Kogan sine lyttere med fremføringen av 24 Paganini Capricci på en kveld. Interessene til kunstneren i denne perioden er fokusert på virtuos litteratur og mestere i virtuos kunst.
Neste etappe i Kogans liv var Queen Elizabeth-konkurransen i Brussel, som fant sted i mai 1951. Verdenspressen snakket om Kogan og Vayman, som mottok første- og andreprisen, samt de som ble belønnet med gullmedaljer. Etter den fenomenale seieren til de sovjetiske fiolinistene i 1937 i Brussel, som nominerte Oistrakh til rekken av de første fiolinistene i verden, var dette kanskje den mest strålende seieren til det sovjetiske "fiolinvåpenet".
I mars 1955 dro Kogan til Paris. Hans opptreden blir sett på som en stor begivenhet i musikklivet i den franske hovedstaden. "Nå er det få artister over hele verden som kan måle seg med Kogan når det gjelder den tekniske perfeksjonen av ytelsen og rikdommen i lydpaletten hans," skrev kritikeren av avisen "Nouvelle Litterer". I Paris kjøpte Kogan en fantastisk Guarneri del Gesu fiolin (1726), som han har spilt siden.
Kogan ga to konserter i Hall of Chaillot. De ble deltatt av mer enn 5000 mennesker – medlemmer av det diplomatiske korpset, parlamentarikere og, selvfølgelig, vanlige besøkende. Dirigert av Charles Bruck. Konserter av Mozart (G-dur), Brahms og Paganini ble fremført. Med fremføringen av Paganini-konserten sjokkerte Kogan bokstavelig talt publikum. Han spilte den i sin helhet, med alle kadensene som skremmer mange fiolinister. Avisen Le Figaro skrev: «Ved å lukke øynene kunne du føle at en ekte trollmann opptrådte foran deg.» Avisen bemerket at «streng mestring, renhet av lyd, klangrikdom gledet lytterne spesielt under fremføringen av Brahms-konserten».
La oss ta hensyn til programmet: Mozarts tredje konsert, Brahms konsert og Paganinis konsert. Dette er den oftest utførte av Kogan senere (opp til i dag) syklus av verk. Følgelig begynte den "andre scenen" - den modne perioden for Kogans opptreden - på midten av 50-tallet. Allerede ikke bare Paganini, men også Mozart, Brahms blir hans "hester". Siden den gang har fremføringen av tre konserter på en kveld vært en vanlig hendelse i hans konsertpraksis. Det den andre utøveren går for som unntak, for Kogan normen. Han elsker sykluser – seks sonater av Bach, tre konserter! I tillegg er konsertene som er inkludert i programmet for en kveld, som regel i skarp kontrast i stilen. Mozart sammenlignes med Brahms og Paganini. Av de mest risikable kombinasjonene kommer Kogan alltid ut som vinneren, og gleder lytterne med en subtil sans for stil, kunsten til kunstnerisk transformasjon.
I første halvdel av 50-tallet var Kogan intensivt opptatt med å utvide repertoaret sitt, og kulminasjonen av denne prosessen var den grandiose syklusen "Utvikling av fiolinkonserten", gitt av ham i sesongen 1956/57. Syklusen besto av seks kvelder, hvor det ble fremført 18 konserter. Før Kogan ble en lignende syklus utført av Oistrakh i 1946-1947.
Ettersom han av talentets natur er en artist av en stor konsertplan, begynner Kogan å legge mye vekt på kammersjangre. De danner en trio med Emil Gilels og Mstislav Rostropovich, og fremfører åpne kammerkvelder.
Hans faste ensemble med Elizaveta Gilels, en lys fiolinist, vinner av den første Brussel-konkurransen, som ble hans kone på 50-tallet, er fantastisk. Sonater av Y. Levitin, M. Weinberg og andre ble skrevet spesielt for deres ensemble. For tiden har dette familieensemblet blitt beriket med ett medlem til – sønnen Pavel, som fulgte i fotsporene til foreldrene, og ble fiolinist. Hele familien gir felles konserter. I mars 1966 fant deres første fremføring av konserten for tre fioliner av den italienske komponisten Franco Mannino sted i Moskva; Forfatteren fløy spesielt til premieren fra Italia. Triumfen var fullstendig. Leonid Kogan har et langt og sterkt kreativt partnerskap med Moskva Kammerorkester ledet av Rudolf Barshai. Akkompagnert av dette orkesteret fikk Kogans fremføring av Bach- og Vivaldi-konsertene en fullstendig ensembleenhet, en svært kunstnerisk klang.
I 1956 hørte Sør-Amerika på Kogan. Han fløy dit i midten av april sammen med pianisten A. Mytnik. De hadde en rute – Argentina, Uruguay, Chile, og på vei tilbake – et kort stopp i Paris. Det var en uforglemmelig tur. Kogan spilte i Buenos Aires i det gamle søramerikanske Cordoba, fremførte verkene til Brahms, Bachs Chaconne, Millaus brasilianske danser og stykket Cueca av den argentinske komponisten Aguirre. I Uruguay introduserte han lytterne til Khachaturians konsert, spilt for første gang på det søramerikanske kontinentet. I Chile møtte han poeten Pablo Neruda, og i hotellrestauranten der han og Mytnik bodde, hørte han det fantastiske spillet til den kjente gitaristen Allan. Etter å ha anerkjent de sovjetiske artistene, fremførte Allan for dem den første delen av Beethovens Moonlight Sonata, stykker av Granados og Albeniz. Han var på besøk hos Lolita Torres. På vei tilbake, i Paris, deltok han på jubileet til Marguerite Long. På konserten hans blant publikum var Arthur Rubinstein, cellist Charles Fournier, fiolinist og musikkritiker Helene Jourdan-Morrange m.fl.
I løpet av sesongen 1957/58 turnerte han i Nord-Amerika. Det var hans debut i USA. I Carnegie Hall fremførte han Brahms Concerto, dirigert av Pierre Monte. "Han var tydelig nervøs, som enhver artist som opptrer for første gang i New York burde være," skrev Howard Taubman i The New York Times. – Men så snart det første slaget av buen på strengene lød, ble det klart for alle – vi har en ferdig mester foran oss. Kogans praktfulle teknikk kjenner ingen vanskeligheter. I de høyeste og vanskeligste posisjonene forblir lyden hans klar og adlyder fullstendig artistens musikalske intensjoner. Hans konsept av konserten er bredt og slankt. Den første delen ble spilt med glans og dybde, den andre sang med uforglemmelig uttrykksevne, den tredje feide i en jublende dans.
«Jeg har aldri hørt på en fiolinist som gjør så lite for å imponere publikum og så mye for å formidle musikken de spiller. Han har bare sitt karakteristiske, uvanlig poetiske, raffinerte musikalske temperament,» skrev Alfred Frankenstein. Amerikanerne la merke til kunstnerens beskjedenhet, varmen og menneskeligheten i hans spill, fraværet av noe prangende, den fantastiske friheten til teknikk og fullstendigheten av frasering. Triumfen var fullstendig.
Det er betydelig at amerikanske kritikere trakk oppmerksomheten til kunstnerens demokratisme, hans enkelhet, beskjedenhet og i spillet – til fraværet av noen elementer av estetikk. Og dette er Kogan bevisst. I sine uttalelser gis det mye plass til forholdet mellom artisten og publikum, han mener at mens man lytter mest mulig til dens kunstneriske behov, må man samtidig bære en inn i den seriøse musikkens rike, ved å kraften til å utføre overbevisning. Hans temperament, kombinert med vilje, bidrar til å oppnå et slikt resultat.
Da han, etter USA, opptrådte i Japan (1958), skrev de om ham: «I fremføringen av Kogan, den himmelske musikken til Beethoven, ble Brahms jordisk, levende, håndgripelig.» I stedet for femten konserter ga han sytten. Hans ankomst ble vurdert som den største begivenheten i den musikalske sesongen.
I 1960 fant åpningen av utstillingen for sovjetisk vitenskap, teknologi og kultur sted i Havana, Cubas hovedstad. Kogan og hans kone Lisa Gilels og komponisten A. Khachaturian kom for å besøke cubanerne, fra hvis verk programmet for gallakonserten ble satt sammen. Temperamentsfulle cubanere nesten knuste salen av glede. Fra Havana dro artistene til Bogota, hovedstaden i Colombia. Som et resultat av besøket deres ble Columbia-USSR-samfunnet organisert der. Deretter fulgte Venezuela og på vei tilbake til hjemlandet Paris.
Av Kogans påfølgende turneer skiller turene til New Zealand seg ut, hvor han ga konserter med Lisa Gilels i to måneder og en andre turné i Amerika i 1965.
New Zealand skrev: «Det er ingen tvil om at Leonid Kogan er den største fiolinisten som noen gang har besøkt landet vårt.» Han stilles på nivå med Menuhin, Oistrakh. De felles forestillingene til Kogan med Gilels skaper også glede.
En morsom hendelse skjedde i New Zealand, humoristisk beskrevet av avisen Sun. Et fotballag bodde på samme hotell med Kogan. Med forberedelsene til konserten jobbet Kogan hele kvelden. Ved 23-tiden sa en av spillerne, som var i ferd med å legge seg, sint til resepsjonisten: «Be fiolinisten som bor i enden av korridoren om å slutte å spille.»
«Herre,» svarte portieren indignert, «det er slik du snakker om en av verdens største fiolinister!»
Etter å ikke ha oppnådd utførelsen av forespørselen fra portøren, dro spillerne til Kogan. Nestkapteinen for laget var ikke klar over at Kogan ikke snakket engelsk og henvendte seg til ham i følgende "rent australske termer":
– Hei, bror, vil du ikke slutte å leke med balalaikaen din? Kom igjen, avslutt endelig og la oss sove.
Kogan forsto ingenting og trodde at han hadde å gjøre med en annen musikkelsker som ba om å få spille noe spesielt for ham, og "svarte nådig på forespørselen om å" runde av "ved å fremføre først en strålende kadense, og deretter et muntert Mozart-stykke. Fotballlaget trakk seg tilbake i uorden.»
Kogans interesse for sovjetisk musikk er betydelig. Han spiller stadig konserter av Shostakovich og Khachaturian. T. Khrennikov, M. Weinberg, konsert "Rhapsody" av A. Khachaturian, Sonata av A. Nikolaev, "Aria" av G. Galynin dedikerte sine konserter til ham.
Kogan har opptrådt med verdens største musikere - dirigentene Pierre Monte, Charles Munsch, Charles Bruck, pianistene Emil Gilels, Arthur Rubinstein og andre. "Jeg liker virkelig å spille med Arthur Rubinstein," sier Kogan. «Det gir stor glede hver gang. I New York var jeg så heldig å spille to av Brahms' sonater og Beethovens åttende sonate sammen med ham på nyttårsaften. Jeg ble slått av følelsen av ensemble og rytme til denne artisten, hans evne til å umiddelbart trenge inn i essensen av forfatterens intensjon ... "
Kogan viser seg også som en talentfull lærer, professor ved Moskva-konservatoriet. Følgende vokste opp i Kogans klasse: den japanske fiolinisten Ekko Sato, som vant tittelen som vinner av III International Tchaikovsky Competition i Moskva i 1966; Jugoslaviske fiolinister A. Stajic, V. Shkerlak og andre. I likhet med Oistrakhs klasse, tiltrakk Kogans klasse elever fra forskjellige land.
People's Artist of the USSR Kogan i 1965 ble tildelt den høye tittelen som vinner av Lenin-prisen.
Jeg vil gjerne avslutte essayet om denne fantastiske musiker-kunstneren med ordene til D. Shostakovich: «Du føler en dyp takknemlighet til ham for gleden du opplever når du går inn i musikkens vidunderlige, lyse verden sammen med fiolinisten. ”
L. Raaben, 1967
På 1960-1970-tallet mottok Kogan alle mulige titler og priser. Han er tildelt tittelen professor og folkekunstner i RSFSR og USSR, og Lenin-prisen. I 1969 ble musikeren utnevnt til sjef for fiolinavdelingen ved Moskva-konservatoriet. Det lages flere filmer om fiolinisten.
De siste to årene av Leonid Borisovich Kogans liv var spesielt begivenhetsrike forestillinger. Han klaget over at han ikke hadde tid til å hvile.
I 1982 fant premieren på Kogans siste verk, De fire årstidene av A. Vivaldi, sted. Samme år leder maestro juryen av fiolinister ved VII International PI Tchaikovsky. Han deltar i innspillingen av en film om Paganini. Kogan er valgt til æresakademiker ved det italienske nasjonale akademiet "Santa Cecilia". Han turnerer i Tsjekkoslovakia, Italia, Jugoslavia, Hellas, Frankrike.
11.-15. desember fant fiolinistens siste konserter sted i Wien, hvor han fremførte Beethovenkonserten. 17. desember døde Leonid Borisovich Kogan brått på vei fra Moskva til konserter i Jaroslavl.
Mesteren forlot mange studenter - prisvinnere av hele Unionen og internasjonale konkurranser, kjente utøvere og lærere: V. Zhuk, N. Yashvili, S. Kravchenko, A. Korsakov, E. Tatevosyan, I. Medvedev, I. Kaler og andre. Utenlandske fiolinister studerte med Kogan: E. Sato, M. Fujikawa, I. Flory, A. Shestakova.
