David Fedorovich Oistrakh |
David Oistrakh
Sovjetunionen har lenge vært kjent for fiolinister. Tilbake på 30-tallet overrasket de strålende seirene til våre utøvere i internasjonale konkurranser verdensmusikalske fellesskap. Den sovjetiske fiolinskolen ble omtalt som den beste i verden. Blant konstellasjonen av strålende talenter tilhørte palmen allerede David Oistrakh. Han har beholdt sin stilling frem til i dag.
Det er skrevet mange artikler om Oistrakh, kanskje på språkene til de fleste mennesker i verden; Det er skrevet monografier og essays om ham, og det ser ut til at det ikke er noen ord som ikke ville blitt sagt om kunstneren av beundrere av hans fantastiske talent. Og likevel vil jeg snakke om det igjen og igjen. Kanskje reflekterte ingen av fiolinistene så fullstendig historien til fiolinkunsten i vårt land. Oistrakh utviklet seg sammen med den sovjetiske musikalske kulturen, og absorberte dypt dens idealer, dens estetikk. Han ble "skapt" som en kunstner av vår verden, og ledet nøye utviklingen av kunstnerens store talent.
Det er kunst som undertrykker, gir opphav til angst, får deg til å oppleve livets tragedier; men det er kunst av et annet slag, som bringer fred, glede, helbreder åndelige sår, fremmer etableringen av tro på livet i fremtiden. Sistnevnte er svært karakteristisk for Oistrakh. Oistrakhs kunst vitner om den fantastiske harmonien i hans natur, hans åndelige verden, om en lys og klar oppfatning av livet. Oistrakh er en søkende artist, alltid misfornøyd med det han har oppnådd. Hvert stadium av hans kreative biografi er en "ny Oistrakh". På 30-tallet var han en mester i miniatyrer, med vekt på myk, sjarmerende, lett lyrikk. På den tiden fanget hans spill med subtil ynde, gjennomtrengende lyriske nyanser, raffinert fullstendighet av hver detalj. Årene gikk, og Oistrakh ble en mester i store, monumentale former, samtidig som han beholdt sine tidligere kvaliteter.
På den første fasen ble spillet hans dominert av "akvarelltoner" med en skjevhet mot et iriserende, sølvfarget utvalg av farger med umerkelige overganger fra den ene til den andre. Men i Khachaturian Concerto viste han seg plutselig i en ny kapasitet. Han så ut til å lage et berusende fargerikt bilde, med dype "fløyelsmyke" klangfarger. Og hvis han på konsertene til Mendelssohn, Tsjaikovskij, i miniatyrene til Kreisler, Skrjabin, Debussy ble oppfattet som en utøver av et rent lyrisk talent, så dukket han opp i Khachaturians konsert som en praktfull sjangermaler; hans tolkning av denne konserten har blitt en klassiker.
En ny scene, en ny kulminasjon av den kreative utviklingen til en fantastisk artist – Sjostakovitsjs konsert. Det er umulig å glemme inntrykket etter premieren av konserten fremført av Oistrakh. Han forvandlet bokstavelig talt; spillet hans fikk en "symfonisk" skala, tragisk kraft, "hjertets visdom" og smerte for en person, som er så iboende i musikken til den store sovjetiske komponisten.
Med en beskrivelse av Oistrakhs opptreden er det umulig å ikke legge merke til hans høye instrumentelle ferdigheter. Det ser ut til at naturen aldri har skapt en så fullstendig sammensmelting av menneske og instrument. Samtidig er virtuositeten i Oistrakhs opptreden spesiell. Den har både glans og showiness når musikk krever det, men de er ikke hovedsaken, men plastisiteten. Den fantastiske lettheten og lettheten som artisten utfører de mest forvirrende passasjene med er uten sidestykke. Perfeksjonen til hans utøvende apparat er slik at du får ekte estetisk nytelse når du ser ham spille. Med uforståelig fingerferdighet beveger venstre hånd seg langs nakken. Det er ingen skarpe støt eller kantete overganger. Ethvert hopp overvinnes med absolutt frihet, enhver strekking av fingrene – med den største elastisitet. Buen er «knyttet» til strengene på en slik måte at den dirrende, kjærtegnende klangen til Oistrakhs fiolin ikke snart vil bli glemt.
År tilføyer flere og flere fasetter til kunsten hans. Det blir dypere og... lettere. Men, i utvikling, stadig fremover, forblir Oistrakh "seg selv" - en kunstner av lys og sol, den mest lyriske fiolinisten i vår tid.
Oistrakh ble født i Odessa 30. september 1908. Faren hans, en beskjeden kontorarbeider, spilte mandolin, fiolin og var en stor elsker av musikk; mor, en profesjonell sanger, sang i koret til operahuset i Odessa. Fra han var fire, lyttet lille David med entusiasme til operaer der moren hans sang, og hjemme spilte han forestillinger og "dirigerte" et tenkt orkester. Musikaliteten hans var så åpenbar at han ble interessert i en kjent lærer som ble berømt i sitt arbeid med barn, fiolinisten P. Stolyarsky. Fra han var fem år gammel begynte Oistrakh å studere med ham.
Første verdenskrig brøt ut. Oistrakhs far gikk til fronten, men Stolyarsky fortsatte å jobbe med gutten gratis. På den tiden hadde han en privat musikkskole, som i Odessa ble kalt en "talentfabrikk". "Han hadde en stor, ivrig sjel som kunstner og en ekstraordinær kjærlighet til barn," minnes Oistrakh. Stolyarsky innpodet ham en kjærlighet til kammermusikk, tvang ham til å spille musikk i skoleensembler på bratsj eller fiolin.
Etter revolusjonen og borgerkrigen ble Music and Drama Institute åpnet i Odessa. I 1923 kom Oistrakh inn her, og selvfølgelig i klassen til Stolyarsky. I 1924 ga han sin første solokonsert og mestret raskt de sentrale verkene i fiolinrepertoaret (konserter av Bach, Tsjaikovskij, Glazunov). I 1925 foretok han sin første konsertreise til Elizavetgrad, Nikolaev, Kherson. Våren 1926 ble Oistrakh uteksaminert fra instituttet med glans, etter å ha fremført Prokofjevs første konsert, Tartinis sonate "Djevelens triller", A. Rubinsteins sonate for bratsj og piano.
La oss merke oss at Prokofjevs konsert ble valgt som hovedeksamenarbeid. På den tiden kunne ikke alle ta et så dristig skritt. Prokofievs musikk ble oppfattet av noen få, det var med vanskeligheter at den vant anerkjennelse fra musikere oppdratt på klassikerne fra det XNUMXth-XNUMXth århundrene. Ønsket om nyhet, rask og dyp forståelse av det nye forble karakteristisk for Oistrakh, hvis ytelsesutvikling kan brukes til å skrive historien til sovjetisk fiolinmusikk. Det kan sies uten å overdrive at de fleste fiolinkonsertene, sonatene, verkene i store og små former skapt av sovjetiske komponister først ble fremført av Oistrakh. Ja, og fra den utenlandske fiolinlitteraturen fra det XNUMX. århundre var det Oistrakh som introduserte sovjetiske lyttere til mange store fenomener; for eksempel med konserter av Szymanowski, Chausson, Bartóks første konsert, etc.
Selvfølgelig, på ungdomstiden, kunne Oistrakh ikke forstå musikken til Prokofiev-konserten dypt nok, som artisten selv husker. Kort tid etter at Oistrakh ble uteksaminert fra instituttet, kom Prokofiev til Odessa med forfatterkonserter. På en kveld organisert til ære for ham fremførte den 18 år gamle Oistrakh scherzoen fra den første konserten. Komponisten satt ved scenen. «Under min opptreden,» minnes Oistrakh, «ble ansiktet hans mer og mer dystert. Da applausen brøt ut, deltok han ikke i dem. Da han nærmet seg scenen, ignorerte støyen og begeistringen fra publikum, ba han pianisten om å vike for ham, og snudde seg mot meg med ordene: «Ung mann, du spiller ikke i det hele tatt som du burde,» begynte han. for å vise og forklare meg naturen til musikken hans. . Mange år senere minnet Oistrakh Prokofiev om denne hendelsen, og han ble synlig flau da han fant ut hvem den "uheldige unge mannen" som hadde lidd så mye av ham var.
På 20-tallet hadde F. Kreisler stor innflytelse på Oistrakh. Oistrakh ble kjent med opptredenen hans gjennom innspillinger og ble betatt av originaliteten i stilen hans. Kreislers enorme innvirkning på generasjonen av fiolinister på 20- og 30-tallet blir vanligvis sett på som både positiv og negativ. Tilsynelatende var Kreisler «skyldig» i Oistrakhs fascinasjon for en liten form – miniatyrer og transkripsjoner, der Kreislers arrangementer og originale skuespill inntok en betydelig plass.
Lidenskapen for Kreisler var universell og få forble likegyldige til hans stil og kreativitet. Fra Kreisler tok Oistrakh i bruk noen spilleteknikker – karakteristisk glissando, vibrato, portamento. Kanskje Oistrakh står i gjeld til "Kreisler-skolen" for elegansen, lettheten, mykheten, rikdommen til "kammer" nyanser som fengsler oss i spillet hans. Men alt han lånte ble uvanlig organisk behandlet av ham selv på den tiden. Individualiteten til den unge artisten viste seg å være så lys at den forvandlet ethvert "oppkjøp". I sin modne periode forlot Oistrakh Kreisler, og satte de ekspressive teknikkene som han en gang hadde adoptert fra ham i tjeneste for helt andre mål. Ønsket om psykologisme, reproduksjonen av en kompleks verden av dype følelser førte ham til metodene for deklamatorisk intonasjon, hvis natur er direkte motsatt av de elegante, stiliserte tekstene til Kreisler.
Sommeren 1927, på initiativ av Kiev-pianisten K. Mikhailov, ble Oistrakh introdusert for AK Glazunov, som hadde kommet til Kiev for å dirigere flere konserter. På hotellet hvor Oistrakh ble brakt, akkompagnerte Glazunov den unge fiolinisten i hans konsert på piano. Under stafettpinnen av Glazunov fremførte Oistrakh konserten to ganger offentlig med orkesteret. I Odessa, hvor Oistrakh kom tilbake med Glazunov, møtte han Polyakin, som var på turné der, og etter en stund med dirigenten N. Malko, som inviterte ham med på sin første tur til Leningrad. Den 10. oktober 1928 gjorde Oistrakh en vellykket debut i Leningrad; den unge artisten ble populær.
I 1928 flyttet Oistrakh til Moskva. I noen tid leder han livet til en gjesteartist, og reiser rundt i Ukraina med konserter. Av stor betydning i hans kunstneriske virksomhet var seieren i den helukrainske fiolinkonkurransen i 1930. Han vant førstepremien.
P. Kogan, direktør for konsertbyrået for statlige orkestre og ensembler i Ukraina, ble interessert i den unge musikeren. En utmerket arrangør, han var en bemerkelsesverdig skikkelse av den "sovjetiske impresario-pedagogen", som han kan kalles i henhold til retningen og arten av hans aktivitet. Han var en ekte propagandist for klassisk kunst blant massene, og mange sovjetiske musikere har et godt minne om ham. Kogan gjorde mye for å popularisere Oistrakh, men fortsatt var fiolinistens hovedområde for konserter utenfor Moskva og Leningrad. Først i 1933 begynte Oistrakh også å finne vei i Moskva. Hans opptreden med et program satt sammen av konserter av Mozart, Mendelssohn og Tsjaikovskij, fremført på en kveld, var en begivenhet som musikalen Moskva snakket om. Det er skrevet anmeldelser om Oistrakh, der det bemerkes at hans spill bærer de beste egenskapene til den unge generasjonen av sovjetiske utøvere, at denne kunsten er sunn, forståelig, munter, viljesterk. Kritikere legger treffende merke til hovedtrekkene i hans utøvende stil, som var karakteristiske for ham i disse årene - eksepsjonell dyktighet i fremføringen av verk av liten form.
Samtidig finner vi i en av artiklene følgende linjer: «Det er imidlertid for tidlig å vurdere at miniatyren er hans sjanger. Nei, Oistrakhs sfære er musikk av plastiske, grasiøse former, fullblods, optimistisk musikk.
I 1934, på initiativ av A. Goldenweiser, ble Oistrakh invitert til konservatoriet. Det var her lærerkarrieren begynte, som fortsetter til i dag.
30-tallet var tiden for Oistrakhs strålende triumfer på hele unionen og verdensscenen. 1935 - førstepremie ved II All-Union Competition of Performing Musicians i Leningrad; samme år, noen måneder senere – andreprisen ved Henryk Wieniawski International Fiolin Competition i Warszawa (førsteprisen gikk til Ginette Neve, Thibauts elev); 1937 - førstepremie ved Eugene Ysaye International Fiolin Competition i Brussel.
Den siste konkurransen, der seks av de syv førsteprisene ble vunnet av de sovjetiske fiolinistene D. Oistrakh, B. Goldstein, E. Gilels, M. Kozolupova og M. Fikhtengolts, ble vurdert av verdenspressen som en triumf for den sovjetiske fiolinen skole. Jurymedlem Jacques Thibault skrev: «Dette er fantastiske talenter. USSR er det eneste landet som har tatt vare på sine unge kunstnere og gitt fulle muligheter for deres utvikling. Fra i dag får Oistrakh verdensberømmelse. De ønsker å lytte til ham i alle land.»
Etter konkurransen opptrådte deltakerne i Paris. Konkurransen åpnet veien for Oistrakh til brede internasjonale aktiviteter. Hjemme blir Oistrakh den mest populære fiolinisten, og konkurrerer med suksess i denne forbindelse med Miron Polyakin. Men det viktigste er at hans sjarmerende kunst tiltrekker seg oppmerksomheten til komponister, og stimulerer deres kreativitet. I 1939 ble Myaskovsky-konserten opprettet, i 1940 - Khachaturian. Begge konsertene er dedikert til Oistrakh. Utførelsen av konserter av Myaskovsky og Khachaturian ble oppfattet som en stor begivenhet i det musikalske livet i landet, var resultatet og kulminasjonen av førkrigstiden av den bemerkelsesverdige artistens aktivitet.
Under krigen ga Oistrakh kontinuerlig konserter, og spilte på sykehus, bak og foran. Som de fleste sovjetiske artister er han full av patriotisk entusiasme, i 1942 opptrer han i det beleirede Leningrad. Soldater og arbeidere, sjømenn og innbyggere i byen lytter til ham. «Oki kom hit etter en hard dags arbeid for å lytte til Oistrakh, en kunstner fra fastlandet, fra Moskva. Konserten var ennå ikke over da luftangrepsvarselet ble annonsert. Ingen forlot rommet. Etter konsertslutt ble artisten ønsket hjertelig velkommen. Applausen ble spesielt intensivert da dekretet om tildeling av statsprisen til D. Oistrakh ble kunngjort … ”.
Krigen er over. I 1945 ankom Yehudi Menuhin Moskva. Oistrakh spiller en dobbel Bach-konsert med ham. I sesongen 1946/47 fremførte han i Moskva en storslått syklus dedikert til fiolinkonsertens historie. Denne handlingen minner om de berømte historiske konsertene til A. Rubinstein. Syklusen inkluderte verk som konserter av Elgar, Sibelius og Walton. Han definerte noe nytt i Oistrakhs kreative bilde, som siden har blitt hans umistelige kvalitet – universalisme, ønsket om en bred dekning av fiolinlitteratur til alle tider og folkeslag, inkludert moderniteten.
Etter krigen åpnet Oistrakh muligheter for omfattende internasjonal aktivitet. Hans første reise fant sted i Wien i 1945. Gjennomgangen av hans opptreden er bemerkelsesverdig: «... Bare den åndelige modenhet av hans alltid stilige spill gjør ham til en herald av høy menneskelighet, en virkelig betydningsfull musiker, hvis plass er i første rang av verdens fiolinister."
I 1945-1947 møtte Oistrakh Enescu i Bucuresti, og Menuhin i Praha; i 1951 ble han utnevnt til medlem av juryen for den belgiske dronning Elisabeth internasjonale konkurranse i Brussel. På 50-tallet vurderte hele utenlandsk presse ham som en av verdens største fiolinister. Mens han er i Brussel, opptrer han sammen med Thibault, som dirigerer orkesteret i konserten hans, og spiller konserter av Bach, Mozart og Beethoven. Thiebaud er full av dyp beundring for Oistrakhs talent. Anmeldelser av hans opptreden i Düsseldorf i 1954 understreker den gjennomtrengende menneskeligheten og spiritualiteten til hans opptreden. «Denne mannen elsker mennesker, denne kunstneren elsker det vakre, det edle; å hjelpe folk oppleve dette er hans yrke.»
I disse anmeldelsene fremstår Oistrakh som en utøver som når dybden av det humanistiske prinsippet i musikk. Emosjonaliteten og lyrikken i kunsten hans er psykologisk, og det er dette som påvirker lytterne. "Hvordan oppsummere inntrykkene fra spillet til David Oistrakh? – skrev E. Jourdan-Morrange. – Vanlige definisjoner, uansett hvor dityrambiske de måtte være, er uverdige for hans rene kunst. Oistrakh er den mest perfekte fiolinisten jeg noen gang har hørt, ikke bare når det gjelder teknikken hans, som er lik den til Heifetz, men spesielt fordi denne teknikken er fullstendig vendt til musikkens tjeneste. Hvilken ærlighet, hvilken adel i utførelse!
I 1955 dro Oistrakh til Japan og USA. I Japan skrev de: «Publikum i dette landet vet å sette pris på kunst, men er utsatt for tilbakeholdenhet i manifestasjonen av følelser. Her ble hun bokstavelig talt gal. Fantastisk applaus slått sammen med rop om "bravo!" og så ut til å kunne overvelde. Oistrakhs suksess i USA grenset til triumf: «David Oistrakh er en stor fiolinist, en av de virkelig store fiolinistene i vår tid. Oistrakh er stor, ikke bare fordi han er en virtuos, men en genuin åndelig musiker.» F. Kreisler, C. Francescatti, M. Elman, I. Stern, N. Milstein, T. Spivakovsky, P. Robson, E. Schwarzkopf, P. Monte lyttet til Oistrakh på konserten i Carnegie Hall.
«Jeg ble spesielt rørt over tilstedeværelsen av Kreisler i salen. Da jeg så den store fiolinisten, lytte intenst til spillet mitt, og deretter applaudere meg stående, virket alt som skjedde som en slags vidunderlig drøm. Oistrakh møtte Kreisler under sitt andre besøk i USA i 1962-1963. Kreisler var på den tiden allerede en svært gammel mann. Blant møtene med store musikere bør man også nevne møtet med P. Casals i 1961, som satte dype spor i hjertet av Oistrakh.
Den lyseste linjen i Oistrakhs forestilling er kammerensemblemusikk. Oistrakh deltok i kammerkvelder i Odessa; senere spilte han i en trio med Igumnov og Knusjevitsky, og erstattet fiolinisten Kalinovsky i dette ensemblet. I 1935 dannet han et sonateensemble med L. Oborin. Ifølge Oistrakh skjedde det slik: De dro til Tyrkia på begynnelsen av 30-tallet, og der måtte de spille en sonatekveld. Deres "sans for musikk" viste seg å være så beslektet at ideen kom om å fortsette denne tilfeldige assosiasjonen.
Tallrike forestillinger på felleskvelder brakte en av de største sovjetiske cellistene, Svyatoslav Knushevitsky, nærmere Oistrakh og Oborin. Beslutningen om å opprette en permanent trio kom i 1940. Den første fremføringen av dette bemerkelsesverdige ensemblet fant sted i 1941, men en systematisk konsertvirksomhet startet i 1943. Trioen L. Oborin, D. Oistrakh, S. Knushevitsky i mange år (inntil 1962, da Knushevitsky døde) var stoltheten til sovjetisk kammermusikk. Tallrike konserter av dette ensemblet samlet alltid fulle saler av et entusiastisk publikum. Hans forestillinger ble holdt i Moskva, Leningrad. I 1952 reiste trioen til Beethoven-feiringen i Leipzig. Oborin og Oistrakh fremførte hele syklusen av Beethovens sonater.
Spillet til trioen ble preget av en sjelden sammenheng. Den bemerkelsesverdige tette cantilenaen til Knushevitsky, med sin lyd, fløyelsmyke klang, perfekt kombinert med den sølvblanke lyden av Oistrakh. Lyden deres ble supplert med sang på pianoet Oborin. I musikken avslørte og understreket artistene dens lyriske side, deres spill ble preget av oppriktighet, mykhet som kom fra hjertet. Generelt kan ensemblets utøvende stil kalles lyrisk, men med klassisk balanse og strenghet.
Oborin-Oistrakh Ensemble eksisterer fortsatt i dag. Sonatakveldene deres etterlater et inntrykk av stilistisk integritet og fullstendighet. Poesien som ligger i Oborins skuespill er kombinert med den karakteristiske logikken til musikalsk tenkning; Oistrakh er en utmerket partner i denne forbindelse. Dette er et ensemble av utsøkt smak, sjelden musikalsk intelligens.
Oistrakh er kjent over hele verden. Han er preget av mange titler; i 1959 valgte Royal Academy of Music i London ham til æresmedlem, i 1960 ble han æresakademiker ved St. Cecilia i Roma; i 1961 - et tilsvarende medlem av German Academy of Arts i Berlin, samt medlem av American Academy of Sciences and Arts i Boston. Oistrakh ble tildelt Lenins orden og æresmerket; han ble tildelt tittelen People's Artist of the USSR. I 1961 ble han tildelt Lenin-prisen, den første blant sovjetiske utøvende musikere.
I Yampolskys bok om Oistrakh er karaktertrekkene hans konsist og kort fanget: ukuelig energi, hardt arbeid, et skarpt kritisk sinn, i stand til å legge merke til alt som er karakteristisk. Dette fremgår av Oistrakhs vurderinger om spillet til fremragende musikere. Han vet alltid hvordan han skal peke ut det mest essensielle, skissere et nøyaktig portrett, gi en subtil analyse av stilen, legge merke til det typiske i utseendet til en musiker. Hans vurderinger kan stoles på, da de for det meste er upartiske.
Yampolsky bemerker også en sans for humor: "Han setter pris på og elsker et velrettet, skarpt ord, er i stand til å le smittsomt når han forteller en morsom historie eller lytter til en tegneseriehistorie. I likhet med Heifetz kan han på en morsom måte kopiere spillet til begynnende fiolinister.» Med den kolossale energien han bruker hver dag, er han alltid smart, behersket. I hverdagen elsker han sport – i sine yngre år spilte han tennis; en utmerket bilist, lidenskapelig glad i sjakk. På 30-tallet var sjakkpartneren hans S. Prokofiev. Før krigen hadde Oistrakh vært formann for sportsseksjonen i Kunstnernes Centralhus i en årrekke og en førsteklasses sjakkmester.
På scenen er Oistrakh fri; han har ikke den spenningen som så overskygger mangfoldet til et stort antall utøvende musikere. La oss huske hvor smertefullt bekymret Joachim, Auer, Thiebaud, Huberman, Polyakin, hvor mye nervøs energi de brukte på hver forestilling. Oistrakh elsker scenen, og som han innrømmer, er det bare betydelige pauser i forestillingene som gir ham spenning.
Oistrakhs arbeid går utover omfanget av direkte utførende aktiviteter. Han bidro mye til fiolinlitteraturen som redaktør; for eksempel er hans versjon (sammen med K. Mostras) av Tsjaikovskijs fiolinkonsert utmerket, berikende og i stor grad korrigerende Auers versjon. La oss også peke på Oistrakhs arbeid med begge Prokofievs fiolinsonater. Fiolinistene skylder ham det faktum at den andre sonaten, opprinnelig skrevet for fløyte og fiolin, ble gjenskapt av Prokofjev for fiolin.
Oistrakh jobber kontinuerlig med nye verk, og er deres første tolk. Listen over nye verk av sovjetiske komponister, "utgitt" av Oistrakh, er enorm. For bare å nevne noen: Sonater av Prokofiev, konserter av Myaskovsky, Rakov, Khachaturian, Shostakovich. Oistrakh skriver noen ganger artikler om stykkene han har spilt, og noen musikkforskere kan misunne analysen hans.
Storslåtte er for eksempel analysene av Fiolinkonserten av Myaskovsky, og spesielt av Sjostakovitsj.
Oistrakh er en fremragende lærer. Blant studentene hans er vinnere av internasjonale konkurranser V. Klimov; hans sønn, for tiden en fremtredende konsertsolist I. Oistrakh, samt O. Parkhomenko, V. Pikaizen, S. Snitkovetsky, J. Ter-Merkeryan, R. Fine, N. Beilina, O. Krysa. Mange utenlandske fiolinister streber etter å komme inn i Oistrakhs klasse. Franskmennene M. Bussino og D. Arthur, tyrkiske E. Erduran, den australske fiolinisten M. Beryl-Kimber, D. Bravnichar fra Jugoslavia, bulgareren B. Lechev, rumenerne I. Voicu, S. Georgiou studerte under ham. Oistrakh elsker pedagogikk og jobber i klasserommet med lidenskap. Metoden hans er hovedsakelig basert på hans egen utøvende erfaring. «Kommentarene han kommer med om denne eller den fremføringsmetoden er alltid konsise og ekstremt verdifulle; i hvert ord-råd viser han en dyp forståelse av instrumentets natur og teknikkene for fiolinframføring.
Han legger stor vekt på den direkte demonstrasjonen på instrumentet av læreren av stykket som studenten studerer. Men kun å vise er etter hans mening nyttig hovedsakelig i den perioden studenten analyserer arbeidet, fordi det ytterligere kan hemme utviklingen av elevens kreative individualitet.
Oistrakh utvikler dyktig det tekniske apparatet til elevene sine. I de fleste tilfeller er kjæledyrene hans preget av friheten til å eie instrumentet. Samtidig er spesiell oppmerksomhet på teknologi på ingen måte karakteristisk for læreren Oistrakh. Han er mye mer interessert i problemene med musikalsk og kunstnerisk utdanning til elevene.
Oistrakh har de siste årene fattet interesse for dirigering. Hans første opptreden som dirigent fant sted 17. februar 1962 i Moskva – han akkompagnerte sønnen Igor, som fremførte konsertene til Bach, Beethoven og Brahms. «Oistrakhs dirigeringsstil er enkel og naturlig, akkurat som hans måte å spille fiolin på. Han er rolig, gjerrig med unødvendige bevegelser. Han undertrykker ikke orkesteret med sin dirigents "kraft", men gir utøverteamet maksimal kreativ frihet, avhengig av den kunstneriske intuisjonen til medlemmene. Sjarmen og autoriteten til en stor artist har en uimotståelig effekt på musikerne.»
I 1966 ble Oistrakh 58 år gammel. Imidlertid er han full av aktiv kreativ energi. Hans ferdigheter er fortsatt preget av frihet, absolutt perfeksjon. Den ble bare beriket av den kunstneriske opplevelsen av et langt liv, fullstendig viet til hans elskede kunst.
L. Raaben, 1967
