Leksjon 4

Et av de mest komplekse konseptene innen musikkteori er musikalsk polyfoni. Imidlertid er dette også en av de viktigste kategoriene, uten hvilken det er umulig å forstå orkestermusikk, eller å synge en vakker duett av en kompleks melodi med fullverdig musikalsk akkompagnement, eller til og med å spille inn og mikse et enkelt spor, der , i tillegg til stemme, gitar, bass og trommer lyd.

Så la oss komme i gang.

Handlingsplanen er klar, så la oss sette i gang!

Konseptet med polyfoni

Begrepet "polyfoni" avledet fra det latinske polyfoni, der poly betyr "mange" og phonia oversettes som "lyd". Polyfoni betyr prinsippet om å legge til lyder (stemmer og melodier) på grunnlag av funksjonell likhet.

Dette er den såkalte polyfonien, dvs. samtidig klinging av to eller flere melodier og/eller stemmer. Polyfoni innebærer harmonisk sammensmelting av flere uavhengige stemmer og/eller melodier til et enkelt musikkstykke.

I tillegg undervises disiplinen med samme navn "Polyfoni" i musikalske utdanningsinstitusjoner ved fakultetene og avdelingene for komponistens kunst og musikkvitenskap.

Det utenlandske uttrykket polyfoni på russisk har ikke gjennomgått betydelige transformasjoner, bortsett fra å skrive på kyrillisk i stedet for latin. Og, ser det ut til, adlyder regelen «som det blir hørt, slik er det skrevet». Nyansen er at dette begrepet høres forskjellig av alle, og påkjenningene er også plassert forskjellig.

Så, i "Dictionary of the Church Slavonic and Russian Language", utgitt av Imperial Academy of Sciences i 1847, er det foreskrevet å understreke den andre "o" i ordet "polyfoni" og den andre "og" i ordet "polyfonisk" [Ordbok, V.3, 1847]. Slik ser det ut side i denne utgaven:

Siden midten av 20-tallet og frem til i dag eksisterer to varianter av stress fredelig på det russiske språket: på den siste "o" og på den andre bokstaven "i". Så i "Great Soviet Encyclopedia" foreslås det å legge vekt på den siste "o" [V. Fraenov, 2004]. Her skjermbilde av TSB-siden:

I den forklarende ordboken, redigert av lingvist Sergei Kuznetsov, i ordet "polyfoni" er den andre bokstaven "i" understreket [S. Kuznetsov, 2000]. I ordet "polyfonisk" er det lagt vekt på bokstaven "og", som i tidligere utgaver:

Merk at Google Translate støtter det siste alternativet, og hvis du skriver inn ordet "polyfoni" i oversettelseskolonnen og klikker på høyttalerikonet, vil du tydelig høre aksenten på den siste bokstaven "og". høyttalerikon sirklet med rødt på bildet:

Nå som vi generelt har forstått hva polyfoni er og hvordan man uttaler dette ordet riktig, kan vi fordype oss i emnet.

Opprinnelse og utvikling av polyfoni

Polyfoni er et ganske komplekst fenomen i musikk, og det har sine egne særtrekk i ulike kulturer. Så, i landene i øst, hadde polyfoni i utgangspunktet en overveiende instrumentell basis. Med andre ord var flerstrengede musikkinstrumenter, strykeensembler, strykeakkompagnement av sang utbredt der. I vestlige land var polyfoni oftere vokal. Det var korsang, inkludert acapella (uten musikalsk akkompagnement).

Utviklingen av polyfoni i startstadiet kalles vanligvis begrepet “heterofoni”, dvs. dissonans. Så tilbake på 7-tallet ble praksisen med å legge til en, to eller flere stemmer over lyden av koralen tatt i bruk, dvs. liturgisk sang.

I middelalderen og renessansen ble motet utbredt – mangestemmig vokal. Det var ikke en koral pluss en overbygning av stemmer i sin reneste form. Dette var allerede et mer komplekst vokalverk, selv om elementene i koralen er veldig merkbare i det. Generelt har motetten blitt en hybrid musikalsk form som har absorbert tradisjonene med kirkelig og sekulær sang.

Kirkesangen gikk også teknisk videre. Så i middelalderen ble den såkalte katolske messen utbredt. Den var basert på veksling av solo- og korpartier. Generelt brukte messer og motetter fra 15- og 16-tallet hele arsenalet av polyfoni ganske aktivt. Stemningen ble skapt ved å øke og redusere lydtettheten, ulike kombinasjoner av høye og lave stemmer, gradvis inkludering av individuelle stemmer eller grupper av stemmer.

Det utviklet seg også en utelukkende sekulær sangtradisjon. Så på 16-tallet blir et slikt sangformat som en mandrigal stadig mer populært. Dette er et to- eller trestemmers verk, som regel, med kjærlighetslyrisk innhold. Begynnelsen til denne sangkulturen dukket opp allerede på 14-tallet, men på den tiden fikk de ikke mye utvikling. Madrigaler fra 16- og 17-tallet er preget av en rekke rytmer, frihet til å lede stemme, bruk av modulasjon (overgang til en annen toneart på slutten av verket).

Begrepet "richecar" kommer fra det franske rechercher, som betyr "søk" (husker du den berømte Cherchez la femme?) og kan i forhold til musikk tolkes på forskjellige måter. Opprinnelig betydde begrepet søket etter intonasjon, senere - leting og utvikling av motiver. De mest kjente formene for richecar er et stykke for clavier, et stykke for et instrumentalt eller vokal-instrumentalt ensemble.

Den eldste rikebilen ble funnet i en samling skuespill utgitt i 1540 i Venezia. Ytterligere 4 stykker for klaveren ble funnet i samlingen av verker av komponisten Girolamo Cavazzoni, utgitt i 1543. Den mest kjente er den 6-stemmes rikebilen fra Bachs Musikalske Offer, skrevet av det store geniet allerede på 18-tallet.

Det skal bemerkes at stilene og melodien til vokal polyfoni allerede i disse årene var nært knyttet til teksten. Så for lyriske tekster er sang karakteristiske, og for korte fraser - resitasjon. I prinsippet kan utviklingen av polyfoni-tradisjoner reduseres til to polyfoniske trender.

Polyfoniske trender i middelalderen:

Du lærte om bånd i forrige leksjon, så nå forstår du hva som står på spill. Dette er den mest generelle informasjonen om utviklingen av tradisjonene for polyfoni. Flere detaljer om historien til dannelsen av polyfoni i forskjellige kulturer og polyfoniske trender kan finnes i spesialpedagogisk litteratur om kurset "Polyfoni" [T. Muller, 1989]. Der kan du også finne noter til middelaldermusikk og, hvis du er interessert, lære noen vokal- og instrumentalpartier. Forresten, hvis du ikke vet hvordan du synger ennå, men ønsker å lære, kan du ta de første skrittene mot vokalmestring ved å studere kurset vårt “Stemme- og taleutvikling”.

Nå er tiden inne for å gå videre til polyfoniteknikker for å forstå tydeligere hvordan polyfoni formes til en enkelt melodi.

Polyfoniske teknikker

I ethvert polyfoniopplæringskurs kan du finne et slikt begrep som kontrapunkt. Det kommer fra det latinske uttrykket punctum contra punctum, som betyr "punkt mot punkt". Eller, i forhold til musikk, "note mot tone", "melodi mot melodi".

Dette endrer ikke det faktum at begrepet "kontrapunkt" har flere forskjellige betydninger. Og la oss nå se på noen få grunnleggende teknikker for polyfoni.

Imitasjon

Imitasjon er når en andre (imiterende) stemme slutter seg til den første monofoniske lyden etter en tid, som gjentar den tidligere lydde passasjen på samme eller en annen tone. Skjematisk ser det ut som på følgende måte:

La oss presisere at begrepet "motsatt" brukt i diagrammet er en stemme som akkompagnerer en annen stemme i en polyfonisk melodi. Harmonisk konsonans oppnås ved hjelp av forskjellige teknikker: ekstra rytme, endring av melodisk mønster, etc.

Kanonisk imitasjon

Kanonisk er det også kontinuerlig imitasjon – en mer kompleks teknikk der ikke bare den tidligere lydde passasjen gjentas, men også mottilsetningen. sånn er det ser ut som et skjema:

Begrepet "lenker", som du ser på diagrammet, refererer bare til de repeterende delene av den kanoniske imitasjonen. I illustrasjonen ovenfor ser vi 3 elementer av den innledende stemmen, som gjentas av den imiterende stemmen. Så det er 3 lenker.

Endelig og uendelig kanon

Den endelige kanonen og den uendelige kanonen er varianter av kanonisk imitasjon. Den uendelige kanon innebærer retur av det originale materialet på et tidspunkt. Den endelige kanonen sørger ikke for slike returer. Figuren over viser en variant av den endelige kanonen. Og la oss nå se hvordan ser uendelig kanon ut, og forstå forskjellen:

La oss presisere at den uendelige kanonen i 1. kategori betyr en imitasjon med 2 lenker, og den uendelige kanonen i 2. kategori er en imitasjon med antall lenker fra 3 eller flere.

Enkel sekvens

En enkel sekvens er bevegelsen av et polyfonisk element til en annen tonehøyde, mens forholdet (intervallet) mellom komponentdelene av elementet endres ikke:

Så i diagrammet angir bokstaven "A" konvensjonelt den første stemmen, bokstaven "B" angir den imiterende stemmen, og tallene 1 og 2 angir den første og andre forskyvningen av det polyfoniske elementet.

Kompleks kontrapunkt

Kompleks kontrapunkt er en polyfonisk teknikk som kombinerer mange polyfoniske teknikker som lar deg generere nye melodier fra den originale polyfonien ved enten å endre forholdet mellom stemmer eller gjøre endringer i melodiene som utgjør den originale polyfonien.

Varianter av komplekse kontrapunkt:

Avhengig av permutasjonsretningen til melodiske stemmer, skilles vertikale, horisontale og doble (samtidig vertikale og horisontale) bevegelige motpunkter.

Faktisk kalles vanskelig kontrapunkt bare "kompleks". Hvis du går godt gjennom materialet til neste øretreningsleksjon, vil du lett gjenkjenne denne polyfone teknikken på gehør.

Dette er bare noen av de enkleste polyfone teknikkene for en nybegynnermusiker å forstå. Du kan lære mer om disse og andre polyfoniske teknikker fra læreboken til musikolog, medlem av Union of Composers of Russia, tilsvarende medlem av Petrovsky Academy of Sciences and Arts Valentina Osipova “Polyphony. Polyfoniske teknikker» [V. Osipova, 2006].

Etter at vi har studert noen av teknikkene for polyfoni, vil det være lettere for oss å forstå klassifiseringen av typer polyfoni.

Typer polyfoni

Det er 4 hovedtyper polyfoni. Hver av typene er hovedsakelig basert på en viss type polyfoniske teknikker. Navnene på typene polyfoni taler i de fleste tilfeller for seg selv.

Hva er typene polyfoni?

Du kan lese mer om hver type polyfoni i boken «Polyfoni. Polyfoniske teknikker» [V. Osipova, 2006], så vi overlater det til ditt skjønn. Vi har kommet nær et så viktig tema for enhver musiker og komponist som å blande musikk.

Grunnleggende om musikkblanding

Konseptet "polyfoni" er direkte relatert til å mikse musikk og få et ferdig lydspor. Tidligere har vi lært at polyfoni betyr prinsippet om å legge til lyder (stemmer og melodier) på grunnlag av funksjonell likhet. Dette er den såkalte polyfonien, dvs. samtidig klinging av to eller flere melodier og/eller stemmer. Polyfoni innebærer harmonisk sammensmelting av flere uavhengige stemmer og/eller melodier til et enkelt musikkstykke.

Strengt tatt er det å mikse musikk den samme polyfonien, bare på en datamaskin, og ikke på en musikalsk stav. Blanding involverer også samspillet mellom minst to musikalske linjer - vokal og "backing track" eller akkompagnement av et musikkinstrument. Hvis det er mange instrumenter, blir miksing til en organisering av samspillet mellom mange melodiske linjer, som hver kan være kontinuerlig gjennom hele verket, eller dukke opp og forsvinne med jevne mellomrom.

Hvis du går litt tilbake og ser igjen på den skjematiske representasjonen av polyfoniske teknikker, vil du se mye til felles med grensesnittet til de fleste dataprogrammer som er laget for å fungere med lyd. Akkurat som de fleste polyfoniske teknikker er avbildet i henhold til "én stemme – ett spor", har lydbehandlingsprogrammer et eget spor for hver melodilinje. Slik kan den enkleste versjonen av å blande to spor se ut i SoundForge:

Følgelig, hvis du trenger å blande for eksempel stemme, elektrisk gitar, bassgitar, synthesizer og trommer, vil det være 5 spor. Og hvis du trenger å gjøre en orkesterinnspilling i studio, vil det allerede være flere dusin spor, ett for hvert instrument.

Prosessen med å blande musikk er ikke bare å følge den musikalske notasjonen og den nøyaktige plasseringen av begynnelsen og slutten av musikalske linjer i forhold til hverandre. Selv om dette ikke er lett, hvis det er mange sekstende-, trettisekunders- og sekstifjerdetoner i innspillingen, som er vanskeligere å treffe enn heltall.

Selvfølgelig må lydprodusenten høre og nøytralisere inneslutningene av fremmede lyder som kan dukke opp selv ved opptak i et godt studio, for ikke å snakke om opptak gjort hjemme eller omvendt under konserter. Selv om et liveopptak også kan være av svært høy kvalitet.

Et eksempel er livealbumet HAARP av det britiske rockebandet Muse. Opptaket ble gjort på Wembley Stadium. Deretter, med en forskjell på 1 dag, fant 2 konserter av gruppen sted: 16. og 17. juni. Interessant nok, for lydversjonen på CD, tok de innspillingen av 16. juni, og for videoversjonen på DVD brukte de konsertopptak, holdt 17. juni 2007:

Uansett vil en lydtekniker eller lydprodusent måtte jobbe hardt for å gjøre selv en velinnspilt kompleks polyfoni til et fullverdig ferdig verk. Dette er virkelig en kreativ prosess der du må ta hensyn til mange nyanser. Men, som vi har sett flere ganger, er musikk beskrevet av ganske spesifikke tellbare kategorier – hertz, desibel osv. Og det er også kriterier for høykvalitets miksing av et spor, og både objektive tekniske og subjektive kunstneriske konsepter brukes der.

Kriterier for kvalitetslydopptak

Disse kriteriene ble utviklet av International Organization for Television and Radio Broadcasting (OIRT), som eksisterte i andre halvdel av 20-tallet, og de er kjent som OIRT-protokollen, og bestemmelsene i protokollen har fortsatt mange strukturer som grunnlag. for vurdering av kvaliteten på lydopptak. La oss kort vurdere hvilke kriterier et opptak av høy kvalitet skal oppfylle i henhold til denne protokollen.

Oversikt over bestemmelsene i OIRT-protokollen:

Overholdelse av kriteriene i protokollen vurderes på en 5-punkts skala. OIRT-protokollen følges tettest i evalueringen av klassisk, folkemusikk og jazzmusikk. For elektronisk, pop- og rockemusikk er det ingen enkelt protokoll for vurdering av lydkvalitet, og bestemmelsene i OIRT-protokollen er mer rådgivende. På en eller annen måte, for å gjøre et opptak av høy kvalitet, kreves det visse tekniske forhold. La oss snakke om dem mer detaljert.

Teknisk støtte

Ovenfor har vi allerede begynt å snakke om det faktum at for et sluttresultat av høy kvalitet er kildemateriale av høy kvalitet viktig. Så, for høykvalitets innspilling av jazz, klassisk og folkemusikk, brukes ofte innspilling på et stereopar med mikrofoner, som senere ikke krever miksing. Faktisk brukes analoge, digitale eller virtuelle miksekonsoller (de er også miksere) til miksing. Sekvensere brukes til virtuell miksing av spor.

Tekniske krav til en datamaskin er vanligvis foreskrevet av produsentene av dataprogrammer for arbeid med lyd. Derfor kan du sjekke at enheten din er i samsvar med kravene når du bestemmer deg for valg av programvare. Til dags dato finnes det flere populære programmer for lydbehandling og lydmiksing.

Lydsmie

For det første er det allerede nevnt ovenfor Lydsmie. Det er praktisk fordi det har et sett med grunnleggende lydbehandlingsfunksjoner, og du kan finne en gratis russiskspråklig versjon [MoiProgrammy.net, 2020]:

Hvis du trenger å forstå den engelske versjonen, er det en detaljert beskrivelse [B. Kairov, 2018].

Audacity

For det andre, et annet praktisk og ukomplisert russiskspråklig program Audacity [Audacity, 2020]:

I tillegg til gratisversjonen kan du finne en veldig fornuftig manual for den [Audacity 2.2.2, 2018].

Dehumaniser 2

For det tredje er det elsket av utviklerne av dataspill og ekstrem vokal. Dehumaniser 2. Grensesnittet er på engelsk og er merkbart mer komplisert, men du kan finne ut av det:

Og det vil ikke bare være miksing, men også muligheter for lyddesign [Krotos, 2020].

Cubase Elementer

For det fjerde er det verdt å ta hensyn til programmet Cubase Elementer [Cubase Elements, 2020]. Der, i tillegg til standardsettet med funksjoner, er det også et akkordpanel som lar deg lage et spor "fra bunnen av" eller "minne på" et tidligere laget opptak, ved å bruke tidligere lærte polyfoniske teknikker i praksis:

Før du begynner, studer oversikten over funksjonene til programmet [A. Olenchikov, 2017].

Effectrix

Og til slutt, dette er effektsekvenseren Effectrix. For å jobbe med det trenger du litt erfaring, men det er verdt å legge merke til dette programmet nå, for med regelmessig praksis vil erfaring komme veldig snart [Sugar Bytes, 2020]:

Du kan lære mer fra artikkelen "Programmer for å blande musikk og stemme", der et dusin programmer vurderes, inkludert de for profesjonelle musikere og DJ-er [V. Kairov, 2020]. Og la oss nå snakke om å forberede miksingen av sporet.

Blandeforberedelse og blandeprosess

Jo bedre forberedt du er, jo raskere og bedre blir blandingen. Det handler ikke bare om teknisk støtte, en komfortabel arbeidsplass og høykvalitets belysning. Det er viktig å ta hensyn til flere organisatoriske problemer, så vel som funksjonene i arbeidet til hjernehalvdelene. Vær generelt oppmerksom på...

Slik forbereder du blandingsprosessen:

Start mikseprosessen med trommer, fordi de opptar en betydelig del av frekvensområdet fra lave (basstromme) til høye frekvenser (cymbaler). Først etter det går du videre til andre instrumenter og vokal. Etter å ha blandet hovedinstrumentene, legg til, hvis planlagt, spesialeffekter (ekko, forvrengning, modulasjon, komprimering, etc.).

Deretter må du danne et stereobilde, dvs. ordne alle lydene i stereofeltet. Etter det, juster arrangementet, om nødvendig, og begynn å jobbe med dybden på lyden. For å gjøre dette, legg til forsinkelser og reverb til lydene, men ikke for mye, ellers vil det "trykke på ørene" til lytterne.

Når du er ferdig, sjekk volumet, EQ, effektinnstillingene på nytt og juster om nødvendig. Test det ferdige sporet i studio, og deretter på forskjellige enheter: kjør lydfilen på smarttelefonen, nettbrettet, lytt til den i bilen. Hvis lyden overalt oppfattes normalt, er alt gjort riktig!

Hvis du kommer over mange ukjente ord, les boken "Computer Sound Processing" [A. Zagumennov, 2011]. Ikke vær flau over det faktum at mye vurderes på eksemplet med gamle versjoner av dataprogrammer. Fysikkens lover har ikke endret seg siden den gang. De som allerede har prøvd seg med å jobbe med lydmikseprogrammer kan anbefales å lese om «Feil ved miksing av musikk», som samtidig gir anbefalinger om hvordan de kan unngås [I. Evsyukov, 2018].

Hvis du synes det er lettere å oppfatte en levende forklaring, kan du se trening video om dette emnet:

Under blandingsprosessen anbefales det å ta korte pauser hvert 45. minutt. Dette er nyttig ikke bare for helsen din, men også for å gjenopprette objektiviteten til auditiv persepsjon. Musikalsk øre er veldig viktig for miksing av høy kvalitet. Hele vår neste leksjon er viet utviklingen av øre for musikk, men foreløpig tilbyr vi deg å bestå en test for å mestre materialet i denne leksjonen.

Leksjonsforståelsestest

Hvis du vil teste kunnskapen din om emnet for denne leksjonen, kan du ta en kort test som består av flere spørsmål. Kun 1 alternativ kan være riktig for hvert spørsmål. Etter at du har valgt ett av alternativene, går systemet automatisk videre til neste spørsmål. Poengene du får påvirkes av riktigheten av svarene dine og tiden du bruker på bestått. Vær oppmerksom på at spørsmålene er forskjellige hver gang, og alternativene blandes.

Og nå vender vi oss til utviklingen av musikalsk øre.