Valentin Vasilievich Silvestrov (Valentin Silvestrov) |
Valentin Silvestrov
Bare melodien gjør musikken evig...
Det ser nok ut til at disse ordene i vår tid ville være typiske for en låtskriver. Men de ble uttalt av en musiker hvis navn i lang tid har blitt stemplet som en avantgardist (i nedsettende forstand), en undergraver, en ødelegger. V. Silvestrov har tjent musikk i nesten 30 år, og sannsynligvis kunne han, etter den store poeten, si: "Gud ga meg ikke blindhetens gave!" (M. Tsvetaeva). For hele hans vei – både i livet og i kreativiteten – er i en jevn bevegelse mot å forstå sannheten. Utad asketisk, tilsynelatende lukket, til og med usosial, prøver Sylvestrov faktisk å bli hørt og forstått i hver av sine kreasjoner. Hørt – på jakt etter et svar på de evige spørsmålene om å være, i et forsøk på å trenge inn i hemmelighetene til kosmos (som et menneskelig habitat) og mennesket (som en bærer av kosmos i seg selv).
Veien til V. Silvestrov i musikk er langt fra enkel, og noen ganger dramatisk. Han begynte å lære musikk i en alder av 15. I 1956 ble han student ved Kyiv Civil Engineering Institute, og i 1958 gikk han inn på Kyiv Conservatory i klassen til B. Lyatoshinsky.
Allerede i disse årene begynte den konsekvente mestringen av alle slags stiler, komponeringsteknikker, dannelsen av hans egen, som senere ble helt gjenkjennelig håndskrift. Allerede i de tidlige komposisjonene er nesten alle aspekter av Silvestrovs komponists individualitet bestemt, i henhold til hvilke hans arbeid vil utvikle seg videre.
Begynnelsen er en slags nyklassisisme, der hovedsaken ikke er formler og stilisering, men empati, forståelse av renheten, lyset, spiritualiteten som musikken fra høybarokk, klassisisme og tidlig romantikk bærer i seg (“Sonatina”, “Klassisk” Sonata" for piano, senere "Musikk i gammel stil", osv.). Stor oppmerksomhet i hans tidlige komposisjoner ble viet til nye tekniske virkemidler (dodekafoni, aleatorikk, pointillisme, sonoristikk), bruken av uvanlige fremføringsteknikker på tradisjonelle instrumenter og moderne grafisk innspilling. Landemerker inkluderer Triad for piano (1962), Mystery for altfløyte og perkusjon (1964), Monodi for piano og orkester (1965), Symfoni nr. 1966 (Eschatophony – 1971), Drama for fiolin, cello og piano med dets happenings, gester (60). I ingen av disse og andre verk skrevet på 70-tallet og tidlig på 2-tallet er teknikk et mål i seg selv. Det er bare et middel for å skape ekstatiske, levende uttrykksfulle bilder. Det er ingen tilfeldighet at i de mest avantgardistiske verkene fra et teknisk synspunkt, fremheves også den mest oppriktige lyrikken (i den myke, "svekkede", med komponistens ord, musikk gjennom de XNUMX seriedelene av den første symfonien), og dype filosofiske konsepter er født som vil føre til den høyeste manifestasjonen av Ånden i den fjerde og femte symfonien. Det er her et av hovedtrekkene i Silvestrovs arbeid oppstår – meditativitet.
Begynnelsen på en ny stil – «enkel, melodisk» – kan kalles «Meditasjon» for cello og kammerorkester (1972). Herfra begynner stadige refleksjoner om tid, om personlighet, om kosmos. De er til stede i nesten alle Silvestrovs påfølgende komposisjoner (den fjerde (1976) og den femte (1982) symfonien, "Quiet Songs" (1977), Cantata for kor a cappella på stasjonen T. Shevchenko (1976), "Forest Music" på stasjonen G. Aigi (1978), «Enkle sanger» (1981), Fire sanger på O. Mandelstams stasjon). Lang lytting til tidens bevegelser, oppmerksomhet til de minste detaljene, som stadig vokser, som om de faller på hverandre, skaper en makroform, tar musikken utover lyden og gjør den til en enkelt romlig-tidsmessig helhet. Uendelig tråkkfrekvens er en av måtene å skape "ventende" musikk, når en enorm indre spenning skjuler seg i den ytre monotone, bølgende statikken. I denne forstand kan den femte symfonien sammenlignes med verkene til Andrei Tarkovsky, der statiske skudd utad skaper superspent indre dynamikk, vekker den menneskelige ånden. Som Tarkovskys kassetter, er Sylvestrovs musikk adressert til menneskehetens elite, hvis man ved elitisme virkelig forstår det beste i en person – evnen til å føle og reagere på smerten og lidelsen til en person og menneskeheten.
Sjangerspekteret til Silvestrovs arbeid er ganske bredt. Han tiltrekkes hele tiden av ordet, den høyeste poesi, som krever hjertets fineste innsikt for sin adekvate musikalske gjenskaping: A. Pushkin, M. Lermontov, F. Tyutchev, T. Shevchenko, E. Baratynsky, P. Shelley, J. Keats, O. Mandelstam. Det var i vokalsjangre at gaven til melodiisten Sylvestrov manifesterte seg med størst kraft.
Et svært uventet verk inntar en spesiell plass i komponistens verk, hvor hans kreative credo imidlertid ser ut til å være fokusert. Dette er "Kitch Music" for piano (1977). I merknaden forklarer forfatteren betydningen av navnet som noe "svak, forkastet, mislykket" (det vil si nær ordboktolkningen av konseptet). Men han tilbakeviser umiddelbart denne forklaringen, og gir den til og med en nostalgisk tolkning: _Spill i en veldig mild, intim tone, som om han varsomt berører lytterens hukommelse, slik at musikken lyder inne i bevisstheten, som om lytterens hukommelse selv synger denne musikken_. Og verdenene til Schumann og Chopin, Brahms og Mahler, tidens udødelige innbyggere, som Valentin Silvestrov føler så sterkt, vender virkelig tilbake til minnet.
Tiden er klok. Før eller siden gir det alle tilbake det de fortjener. Det var mange ting i Silvestrovs liv: en absolutt misforståelse av "nærkulturelle" skikkelser, og en fullstendig ignorering av forlag, og til og med utvisning fra Union of Composers of the USSR. Men det var en annen ting - anerkjennelsen av utøvere og lyttere i vårt land og i utlandet. Silvestrov - vinner av prisen. S. Koussevitzky (USA, 1967) og den internasjonale konkurransen for unge komponister «Gaudeamus» (Nederland, 1970). Kompromissløshet, krystallklar ærlighet, oppriktighet og renhet, multiplisert med høyt talent og en enorm indre kultur – alt dette gir grunn til å forvente betydelige og kloke kreasjoner i fremtiden.
S. Filstein
