Arnold Schoenberg |

Arnold Schönberg

All verdens mørke og skyldfølelse tok den nye musikken på seg. All hennes lykke ligger i å kjenne ulykke; hele skjønnheten ligger i å gi opp utseendet til skjønnhet. T. Adorno

A. Schoenberg gikk inn i musikkhistorien i det XNUMXth århundre. som skaperen av dodekafonsystemet for komposisjon. Men betydningen og omfanget av aktiviteten til den østerrikske mesteren er ikke begrenset til dette faktum. Schoenberg var en multitalent. Han var en strålende lærer som tok opp en hel galakse av samtidsmusikere, inkludert så kjente mestere som A. Webern og A. Berg (sammen med læreren deres dannet de den såkalte Novovensk-skolen). Han var en interessant maler, en venn av O. Kokoschka; maleriene hans dukket gjentatte ganger opp på utstillinger og ble trykt i reproduksjoner i München-magasinet "The Blue Rider" ved siden av verkene til P. Cezanne, A. Matisse, V. Van Gogh, B. Kandinsky, P. Picasso. Schoenberg var forfatter, poet og prosaforfatter, forfatteren av tekstene til mange av verkene hans. Men fremfor alt var han en komponist som etterlot seg en betydelig arv, en komponist som gikk gjennom en svært vanskelig, men ærlig og kompromissløs vei.

Schoenbergs verk er nært knyttet til musikalsk ekspresjonisme. Det er preget av spenningen i følelser og skarpheten i reaksjonen til verden rundt oss, som karakteriserte mange samtidskunstnere som jobbet i en atmosfære av angst, forventning og gjennomføring av forferdelige sosiale katastrofer (Schoenberg ble forent med dem av et felles liv skjebne – vandring, uorden, utsiktene til å leve og dø langt fra hjemlandet ). Den kanskje nærmeste analogien til Schoenbergs personlighet er komponistens landsmann og samtidige, den østerrikske forfatteren F. Kafka. Akkurat som i Kafkas romaner og noveller, i Schoenbergs musikk, kondenserer en økt oppfatning av livet noen ganger til feberaktige tvangstanker, sofistikerte tekster grenser til det groteske, og blir til et mentalt mareritt i virkeligheten.

Schoenberg skapte sin vanskelige og dypt lidende kunst, og var fast i sin overbevisning til et punkt av fanatisme. Hele livet fulgte han den største motstandens vei, og kjempet med latterliggjøring, mobbing, døve misforståelser, utholdende fornærmelser, bitter nød. «I Wien i 1908 – byen for operetter, klassikere og pompøs romantikk – svømte Schoenberg mot strømmen», skrev G. Eisler. Det var ikke helt den vanlige konflikten mellom den nyskapende kunstneren og filistermiljøet. Det er ikke nok å si at Schoenberg var en innovatør som gjorde det til en regel å si i kunsten bare det som ikke var blitt sagt før ham. Ifølge noen forskere av hans arbeid dukket det nye opp her i en ekstremt spesifikk, fortettet versjon, i form av en slags essens. En overkonsentrert påvirkelighet, som krever en tilstrekkelig kvalitet fra lytteren, forklarer den spesielle vanskeligheten ved Schoenbergs musikk for persepsjon: selv på bakgrunn av hans radikale samtidige, er Schoenberg den mest "vanskelige" komponisten. Men dette fornekter ikke verdien av kunsten hans, subjektivt ærlig og seriøs, som gjør opprør mot den vulgære søtheten og det lette tinselet.

Schoenberg kombinerte evnen til sterk følelse med et hensynsløst disiplinert intellekt. Han skylder denne kombinasjonen til et vendepunkt. Milepælene i komponistens livsvei gjenspeiler en konsekvent aspirasjon fra tradisjonelle romantiske utsagn i R. Wagners ånd (instrumentalkomposisjoner «Opplyst natt», «Pelleas og Mélisande», kantaten «Songs of Gurre») til en ny, strengt verifisert kreativitet metode. Imidlertid påvirket Schoenbergs romantiske stamtavle også senere, og ga en impuls til økt spenning, hypertrofierte uttrykksevnen til verkene hans ved årsskiftet 1900-10. Slik er for eksempel monodramaet Waiting (1909, en monolog av en kvinne som kom til skogen for å møte sin elsker og fant ham død).

Den postromantiske kulten av masken, raffinert påvirkning i stil med "tragisk kabaret" kan merkes i melodramaet "Moon Pierrot" (1912) for en kvinnelig stemme og instrumentalt ensemble. I dette verket legemliggjorde Schoenberg først prinsippet om den såkalte talesangen (Sprechgesang): selv om solostemmen er festet i partituret med noter, er dens tonehøydestruktur omtrentlig – som i en resitasjon. Både "Waiting" og "Lunar Pierrot" er skrevet på en atonal måte, som tilsvarer et nytt, ekstraordinært lager av bilder. Men forskjellen mellom verkene er også betydelig: Orkesterensemblet med sine sparsomme, men forskjellig uttrykksfulle farger fra nå av tiltrekker komponisten mer enn hele orkesterkomposisjonen av den senromantiske typen.

Det neste og avgjørende skrittet mot strengt økonomisk skriving var imidlertid etableringen av et tolvtoners (dodekafon) komposisjonssystem. Schoenbergs instrumentalkomposisjoner fra 20- og 40-tallet, som Piano Suite, Variations for Orchestra, Concertos, String Quartets, er basert på en serie med 12 ikke-repeterende lyder, tatt i fire hovedversjoner (en teknikk som dateres tilbake til den gamle polyfoniske variasjon).

Den dodekafoniske komposisjonsmetoden har fått mange beundrere. Bevis på resonansen til Schoenbergs oppfinnelse i den kulturelle verden var T. Manns "sitering" av den i romanen "Doctor Faustus"; den taler også om faren for "intellektuell kulde" som ligger på lur for en komponist som bruker en lignende måte for kreativitet. Denne metoden ble ikke universell og selvforsynt - selv for dens skaper. Mer presist var det slik bare i den grad den ikke forstyrret manifestasjonen av mesterens naturlige intuisjon og den akkumulerte musikalske og auditive erfaringen, noen ganger medførte – i motsetning til alle «unnvikelsesteoriene» – ulike assosiasjoner til tonal musikk. Komponistens avskjed med den tonale tradisjonen var slett ikke ugjenkallelig: den velkjente maksimen fra «avdøde» Schönberg om at mye mer kan sies i C-dur bekrefter dette fullt ut. Oppslukt i komponeringsteknikkens problemer, var Schoenberg på samme tid langt fra lenestolisolasjon.

Begivenhetene under andre verdenskrig – millioner av menneskers lidelser og død, folkenes hat mot fascismen – gjentok i den med svært betydningsfulle komponistideer. Dermed er "Ode til Napoleon" (1942, på verset av J. Byron) en sint brosjyre mot tyrannisk makt, verket er fylt med morderisk sarkasme. Teksten til kantaten Survivor from Warszawa (1947), kanskje Schoenbergs mest kjente verk, gjengir den sanne historien om en av få mennesker som overlevde tragedien i Warszawa-gettoen. Verket formidler redselen og fortvilelsen fra ghettofangenes siste dager, og avsluttes med en gammel bønn. Begge verkene er sterkt publisistiske og oppfattes som tidsdokumenter. Men den journalistiske skarpheten i uttalelsen overskygget ikke komponistens naturlige tilbøyelighet til å filosofere, til problemene med transtemporal lyd, som han utviklet ved hjelp av mytologiske plott. Interessen for poetikken og symbolikken til den bibelske myten dukket opp allerede på 30-tallet, i forbindelse med prosjektet med oratoriet "Jacobs Ladder".

Så begynte Schoenberg å jobbe med et enda mer monumentalt verk, som han viet alle de siste årene av sitt liv (men uten å fullføre det). Vi snakker om operaen "Moses og Aron". Det mytologiske grunnlaget tjente for komponisten kun som et påskudd for refleksjon over aktuelle problemstillinger i vår tid. Hovedmotivet for dette "ideedramaet" er individet og menneskene, ideen og dens oppfatning av massene. Den kontinuerlige verbale duellen mellom Moses og Aron som er skildret i operaen er den evige konflikten mellom «tenkeren» og «gjøreren», mellom profeten-sannhetssøkeren som prøver å lede sitt folk ut av slaveriet, og orator-demagogen som i hans forsøk på å gjøre ideen figurativt synlig og tilgjengelig forråder den i hovedsak (sammenbruddet av ideen er ledsaget av et opprør av elementære krefter, legemliggjort med utrolig lysstyrke av forfatteren i den orgiastiske "Dance of the Golden Calf"). Uforsonligheten i heltenes posisjoner understrekes musikalsk: Den operatiske vakre delen av Aaron står i kontrast til den asketiske og deklamatoriske delen av Moses, som er fremmed for tradisjonell operasang. Oratoriet er bredt representert i verket. Korepisodene i operaen, med sin monumentale polyfoniske grafikk, går tilbake til Bachs lidenskaper. Her avsløres Schoenbergs dype forbindelse med tradisjonen med østerriksk-tysk musikk. Denne sammenhengen, samt Schoenbergs arv av den åndelige opplevelsen av europeisk kultur som helhet, kommer tydeligere frem over tid. Her er kilden til en objektiv vurdering av Schoenbergs verk og håpet om at komponistens "vanskelige" kunst vil finne tilgang til et bredest mulig spekter av lyttere.

T. Venstre

• Liste over store verk av Schoenberg →