Dmitry Dmitrievich Shostakovich |
Dmitri Sjostakovitsj
D. Shostakovich er en klassiker innen musikk fra det XNUMX. århundre. Ingen av dens store mestere var så nært forbundet med den vanskelige skjebnen til hjemlandet hans, kunne ikke uttrykke de skrikende motsetningene i sin tid med en slik kraft og lidenskap, vurdere det med en hard moralsk vurdering. Det er i denne komponistens medvirkning til folkets smerte og problemer at hovedbetydningen av hans bidrag til musikkhistorien i århundret med verdenskriger og storslåtte sosiale omveltninger ligger, som menneskeheten ikke hadde kjent før.
Sjostakovitsj er av natur en kunstner med universelt talent. Det er ikke en eneste sjanger hvor han ikke sa sitt tungtveiende ord. Han kom i nærkontakt med den typen musikk som noen ganger ble arrogant behandlet av seriøse musikere. Han er forfatteren av en rekke sanger plukket opp av massene av mennesker, og den dag i dag hans strålende tilpasninger av populær- og jazzmusikk, som han var spesielt glad i på tidspunktet for dannelsen av stilen – i det 20. 30-tallet, glede. Men hovedanvendelsen av kreative krefter for ham var symfonien. Ikke fordi andre sjangere av seriøs musikk var helt fremmede for ham - han var utstyrt med et uovertruffent talent som en virkelig teatralsk komponist, og arbeidet med kinematografi ga ham det viktigste livsoppholdet. Men den uhøflige og urettferdige skjennelsen som ble påført i 1936 i lederartikkelen til avisen Pravda under overskriften "Røl i stedet for musikk" frarådet ham fra å engasjere seg i operasjangeren i lang tid - forsøkene som ble gjort (operaen "Spillere" av N. Gogol) forble uferdig, og planene gikk ikke over i implementeringsstadiet.
Kanskje var det nettopp dette Sjostakovitsjs personlighetstrekk hadde en effekt på – av natur var han ikke tilbøyelig til åpne former for å uttrykke protester, han ga lett etter for gjenstridige uenigheter på grunn av sin spesielle intelligens, delikatesse og forsvarsløshet mot frekk vilkårlighet. Men dette var bare i livet – i sin kunst var han tro mot sine kreative prinsipper og hevdet dem i sjangeren hvor han følte seg helt fri. Derfor ble den konseptuelle symfonien i sentrum av Sjostakovitsjs søken, hvor han åpent kunne si sannheten om sin tid uten kompromisser. Han nektet imidlertid ikke å delta i kunstneriske virksomheter født under presset av strenge krav til kunst pålagt av det kommando-administrative systemet, slik som filmen av M. Chiaureli "The Fall of Berlin", der den uhemmede lovprisningen av storheten og visdommen til «nasjonenes far» nådde den ytterste grensen. Men deltakelse i denne typen filmmonumenter, eller andre, noen ganger til og med talentfulle verk som forvrengte historisk sannhet og skapte en myte som behager den politiske ledelsen, beskyttet ikke kunstneren mot den brutale represalien som ble begått i 1948. Stalinistregimets ledende ideolog , A. Zhdanov, gjentok de grove angrepene i en gammel artikkel i avisen Pravda og anklaget komponisten, sammen med andre mestere av sovjetisk musikk på den tiden, for å følge anti-folkeformalismen.
Deretter, under Khrusjtsjovs "tine", ble slike anklager henlagt, og komponistens fremragende verk, hvis offentlige fremføring ble forbudt, fant veien til lytteren. Men dramaet om komponistens personlige skjebne, som overlevde en periode med urettferdig forfølgelse, satte et uutslettelig preg på hans personlighet og bestemte retningen for hans kreative søken, adressert til de moralske problemene ved menneskelig eksistens på jorden. Dette var og forblir det viktigste som skiller Shostakovich blant skaperne av musikk i det XNUMXth århundre.
Hans livsvei var ikke rik på hendelser. Etter å ha uteksaminert seg fra Leningrad-konservatoriet med en strålende debut – den storslåtte første symfonien, begynte han livet som en profesjonell komponist, først i byen ved Neva, deretter under den store patriotiske krigen i Moskva. Hans aktivitet som lærer ved konservatoriet var relativt kort – han forlot det mot sin vilje. Men til i dag har studentene hans bevart minnet om den store mesteren, som spilte en avgjørende rolle i dannelsen av deres kreative individualitet. Allerede i den første symfonien (1925) er to egenskaper ved Sjostakovitsjs musikk tydelig merkbare. En av dem ble reflektert i dannelsen av en ny instrumental stil med sin iboende letthet, lette konkurranse for konsertinstrumenter. En annen manifesterte seg i et vedvarende ønske om å gi musikk den høyeste meningsfullhet, å avsløre et dypt begrep om filosofisk betydning ved hjelp av den symfoniske sjangeren.
Mange av komponistens verk som fulgte etter en så strålende begynnelse gjenspeilte tidens rastløse atmosfære, der tidens nye stil ble smidd i kampen mot motstridende holdninger. Så i den andre og tredje symfonien ("Oktober" - 1927, "May Day" - 1929) hyllet Shostakovich den musikalske plakaten, de viste tydelig innflytelsen fra 20-tallets kampsport, propagandakunst. (Det er ingen tilfeldighet at komponisten inkluderte korfragmenter til dikt av unge diktere A. Bezymensky og S. Kirsanov i dem). Samtidig viste de også en levende teatralitet, som så fengslet i produksjonene til E. Vakhtangov og Vs. Meyerhold. Det var forestillingene deres som påvirket stilen til Shostakovichs første opera The Nose (1928), basert på Gogols berømte historie. Herfra kommer ikke bare skarp satire, parodi, som når det groteske i skildringen av individuelle karakterer og de godtroende, raskt panikkfulle og raske til å dømme mengden, men også den gripende intonasjonen av "latter gjennom tårer", som hjelper oss å gjenkjenne en person selv i en så vulgær og bevisst ikke-enhet, som Gogols major Kovalev.
Sjostakovitsjs stil absorberte ikke bare påvirkningene fra opplevelsen av verdensmusikalsk kultur (her var de viktigste for komponisten M. Mussorgsky, P. Tchaikovsky og G. Mahler), men absorberte også lydene fra det daværende musikklivet – som generelt sett tilgjengelig kultur av den "lette" sjangeren som dominerte hodet til massene. Komponistens holdning til det er ambivalent – noen ganger overdriver han, parodierer de karakteristiske vendingene til fasjonable sanger og danser, men foredler dem samtidig, løfter dem til høyder av ekte kunst. Denne holdningen var spesielt uttalt i de tidlige ballettene The Golden Age (1930) og The Bolt (1931), i First Piano Concerto (1933), hvor solotrompeten blir en verdig rival til pianoet sammen med orkesteret, og senere i scherzoen og finalen i de sjette symfoniene (1939). Strålende virtuositet, frekke eksentrikker er kombinert i denne komposisjonen med inderlige tekster, utrolig naturlighet i utplasseringen av den "endeløse" melodien i den første delen av symfonien.
Og til slutt kan man ikke unngå å nevne den andre siden av den unge komponistens kreative aktivitet – han jobbet hardt og hardt på kino, først som illustratør for demonstrasjon av stumfilmer, deretter som en av skaperne av sovjetiske lydfilmer. Sangen hans fra filmen "Oncoming" (1932) fikk landsomfattende popularitet. Samtidig påvirket innflytelsen fra den "unge musen" også stilen, språket og komposisjonsprinsippene til hans konsert-filharmoniske komposisjoner.
Ønsket om å legemliggjøre de mest akutte konfliktene i den moderne verden med sine grandiose omveltninger og voldsomme sammenstøt mellom motstridende krefter ble spesielt reflektert i hovedverkene til mesteren fra 30-tallet. Et viktig skritt på denne veien var operaen Katerina Izmailova (1932), basert på handlingen i N. Leskovs historie Lady Macbeth fra Mtsensk-distriktet. I bildet av hovedpersonen avsløres en kompleks indre kamp i sjelen til en natur som er hel og rikt begavet på sin egen måte – under åket til «livets blyavskyelighet», under makten til blinde, usaklige lidenskap, begår hun alvorlige forbrytelser, etterfulgt av grusom gjengjeldelse.
Imidlertid oppnådde komponisten størst suksess i den femte symfonien (1937), den mest betydningsfulle og grunnleggende prestasjonen i utviklingen av sovjetisk symfoni på 30-tallet. (en vending til en ny stilkvalitet ble skissert i den fjerde symfonien skrevet tidligere, men den lød ikke - 1936). Styrken til den femte symfonien ligger i det faktum at opplevelsene til dens lyriske helt blir avslørt i den nærmeste forbindelse med livet til mennesker og, mer generelt, hele menneskeheten på tampen av det største sjokket som noen sinne har opplevd av folkene i verden – andre verdenskrig. Dette bestemte musikkens vektlagte dramatikk, dens iboende forsterkede uttrykk – den lyriske helten blir ikke en passiv kontemplator i denne symfonien, han dømmer hva som skjer og hva som kommer med den høyeste moralske domstol. I likegyldighet til verdens skjebne påvirket også kunstnerens borgerlige stilling, den humanistiske orienteringen til musikken hans. Det kan merkes i en rekke andre verk som tilhører sjangrene kammerinstrumental kreativitet, blant dem skiller klaverkvintetten (1940) seg ut.
Under den store patriotiske krigen ble Shostakovich en av de fremste rekkene av kunstnere - kjemper mot fascismen. Hans syvende («Leningrad») symfoni (1941) ble over hele verden oppfattet som en levende stemme til et stridende folk, som gikk inn i en kamp på liv og død i retten til å eksistere, til forsvar for det høyeste mennesket. verdier. I dette verket, som i den senere åttende symfonien (1943), kom motsetningen til de to motstridende leirene direkte, umiddelbar uttrykk. Aldri før i musikkkunsten har ondskapens krefter blitt skildret så levende, aldri før har den sløve mekaniskheten til en travelt arbeidende fascistisk «ødeleggelsesmaskin» blitt avslørt med så raseri og lidenskap. Men komponistens «militære» symfonier (så vel som i en rekke av hans andre verk, for eksempel i Piano Trio til minne om I. Sollertinsky – 1944) er like levende representert i komponistens «krigs»-symfonier, de åndelige skjønnhet og rikdom i den indre verden til en person som lider av tidens problemer.
I etterkrigsårene utfoldet den kreative aktiviteten til Shostakovich seg med fornyet kraft. Som før ble hovedlinjen i hans kunstneriske søk presentert i monumentale symfoniske lerreter. Etter den noe lettede niende (1945), et slags intermezzo, som imidlertid ikke var uten klare ekkoer av den nylig avsluttede krigen, skapte komponisten den inspirerte tiende symfonien (1953), som tok opp temaet om den tragiske skjebnen til kunstner, det høyeste målet for hans ansvar i den moderne verden. Imidlertid var det nye i stor grad frukten av tidligere generasjoners innsats - det er grunnen til at komponisten ble så tiltrukket av hendelsene i et vendepunkt i russisk historie. Revolusjonen i 1905, preget av Bloody Sunday 9. januar, kommer til live i den monumentale programmatiske ellevte symfonien (1957), og prestasjonene til den seirende 1917 inspirerte Sjostakovitsj til å lage den tolvte symfoni (1961).
Refleksjoner over historiens betydning, over betydningen av heltenes gjerninger, ble også reflektert i det enstemmige vokal-symfoniske diktet "The Execution of Stepan Razin" (1964), som er basert på et fragment fra E. Yevtushenkos dikt "Bratsk vannkraftverk". Men begivenhetene i vår tid, forårsaket av drastiske endringer i folkets liv og i deres verdenssyn, kunngjort av CPSUs XX-kongress, gjorde ikke den store mester i sovjetisk musikk likegyldig - deres levende pust er til å ta og føle på i det trettende. Symphony (1962), også skrevet etter ordene til E. Yevtushenko. I den fjortende symfonien vendte komponisten seg til diktene til diktere fra forskjellige tider og folkeslag (FG Lorca, G. Apollinaire, W. Kuchelbecker, RM Rilke) – han ble tiltrukket av temaet menneskelivets forgjengelighet og evigheten av kreasjoner av ekte kunst, før som til og med suveren død. Det samme temaet dannet grunnlaget for ideen om en vokal-symfonisk syklus basert på dikt av den store italienske kunstneren Michelangelo Buonarroti (1974). Og til slutt, i den siste, femtende symfonien (1971), kommer barndommens bilder til live igjen, gjenskapt foran blikket til en skaper som er klok i livet, som har blitt kjent med et virkelig umåtelig mål av menneskelig lidelse.
Til tross for all betydningen av symfonien i Sjostakovitsjs etterkrigsverk, uttømmer den langt fra alt det mest betydningsfulle som ble skapt av komponisten i de siste tretti årene av hans liv og kreative vei. Han ga spesiell oppmerksomhet til konsert- og kammerinstrumentale sjangere. Han skapte 2 fiolinkonserter (1948 og 1967), to cellokonserter (1959 og 1966) og den andre klaverkonserten (1957). De beste verkene i denne sjangeren legemliggjør dype konsepter av filosofisk betydning, sammenlignbare med de som er uttrykt med så imponerende kraft i hans symfonier. Skarpheten i sammenstøtet mellom det åndelige og det uåndelige, de høyeste impulsene til menneskelig geni og det aggressive angrepet av vulgaritet, bevisst primitivitet er til å ta og føle på i den andre cellokonserten, der et enkelt «gate»-motiv forvandles til det ugjenkjennelige, og avslører dets umenneskelig essens.
Men både på konserter og i kammermusikk avsløres Shostakovichs virtuositet i å lage komposisjoner som åpner for fri konkurranse blant musikere. Her var hovedsjangeren som vakte mesterens oppmerksomhet den tradisjonelle strykekvartetten (det er like mange skrevet av komponisten som symfonier – 15). Sjostakovitsjs kvartetter forbløffer med en rekke løsninger fra flerdelte sykluser (Eleventh – 1966) til enkeltsatskomposisjoner (Thirteenth – 1970). I en rekke av hans kammerverk (i den åttende kvartetten – 1960, i Sonaten for bratsj og klaver – 1975) vender komponisten tilbake til musikken til sine tidligere komposisjoner, og gir den en ny lyd.
Blant verkene fra andre sjangre kan man nevne den monumentale syklusen Preludes and Fugues for piano (1951), inspirert av Bach-feiringen i Leipzig, oratoriet Song of the Forests (1949), der for første gang i sovjetisk musikk temaet menneskelig ansvar for bevaring av naturen rundt ham ble tatt opp. Du kan også nevne ti dikt for kor a cappella (1951), vokalsyklusen "From Jewish Folk Poetry" (1948), sykluser på dikt av dikterne Sasha Cherny ("Satires" - 1960), Marina Tsvetaeva (1973).
Arbeidet på kino fortsatte i etterkrigsårene - Shostakovichs musikk til filmene "The Gadfly" (basert på romanen av E. Voynich - 1955), samt for tilpasningene av Shakespeares tragedier "Hamlet" (1964) og «King Lear» (1971) ble viden kjent. ).
Sjostakovitsj hadde en betydelig innvirkning på utviklingen av sovjetisk musikk. Det kom ikke så mye til uttrykk i den direkte påvirkningen av mesterens stil og kunstneriske virkemidler som er karakteristiske for ham, men i ønsket om høyt innhold av musikk, dens forbindelse med de grunnleggende problemene i menneskelivet på jorden. Humanistisk i sin essens, virkelig kunstnerisk i form, vant Sjostakovitsjs verk verdensomspennende anerkjennelse, ble et tydelig uttrykk for det nye som musikken til Sovjetlandet ga verden.
M. Tarakanov
