Francois Couperin |

Francois Couperin

Couperin. "Les Barricades mystirieuses" (John Williams)

Gjennom det XNUMX. århundre utviklet det seg en bemerkelsesverdig skole for cembalomusikk i Frankrike (J. Chambonière, L. Couperin og hans brødre, J. d'Anglebert, og andre). Overført fra generasjon til generasjon nådde tradisjonene med utøvende kultur og komponeringsteknikk sitt høydepunkt i arbeidet til F. Couperin, som hans samtidige begynte å kalle stor.

Couperin ble født inn i en familie med en lang musikalsk tradisjon. Tjenesten til en organist i katedralen i Saint-Gervais, arvet fra sin far, Charles Couperin, en kjent komponist og utøver i Frankrike, Francois kombinert med tjeneste ved det kongelige hoff. Utførelsen av tallrike og varierte oppgaver (komponere musikk til gudstjenester og rettskonserter, opptreden som solist og akkompagnatør osv.) fylte komponistens liv til det ytterste. Couperin ga også leksjoner til medlemmer av kongefamilien: "... I tjue år nå har jeg den ære å være sammen med kongen og undervise nesten samtidig hans høyhet Dauphin, hertugen av Burgund og seks prinser og prinsesser av kongehuset ..." På slutten av 1720-tallet. Couperin skriver sine siste stykker for cembalo. En alvorlig sykdom tvang ham til å forlate sin kreative virksomhet, slutte å tjene ved retten og i kirken. Stillingen som kammermusiker gikk over til datteren hans, Marguerite Antoinette.

Grunnlaget for Couperins kreative arv er verk for cembalo – mer enn 250 stykker utgitt i fire samlinger (1713, 1717, 1722, 1730). Basert på erfaringene til sine forgjengere og eldre samtidige, skapte Couperin en original cembalo-stil, preget av skriftens subtilitet og eleganse, forfining av miniatyrformer (rondo eller variasjoner), og overfloden av ornamentale dekorasjoner (melismer) som tilsvarer naturen til cembalo-klang. Denne utsøkte filigranstilen er på mange måter relatert til rokokkostilen i fransk kunst fra det XNUMX. århundre. Fransk upåklagelig smak, en sans for proporsjoner, et mildt spill av farger og klanger dominerer Couperins musikk, med unntak av økt uttrykk, sterke og åpne manifestasjoner av følelser. "Jeg foretrekker det som beveger meg fremfor det som overrasker meg." Couperin knytter skuespillene sine til rader (ordre) - gratis strenger av forskjellige miniatyrer. De fleste av skuespillene har programmatiske titler som gjenspeiler rikdommen i komponistens fantasi, den figurative spesifikke orienteringen til hans tenkning. Dette er kvinneportretter («Touchless», «Slemme», «Søster Monica»), pastorale, idylliske scener, landskap («Reeds», «Lilies in the Making»), skuespill som karakteriserer lyriske tilstander («Regrets», «Tender» Anguish") ), teatermasker ("Satires", "Harlequin", "Tricks of Magicians"), etc. I forordet til den første skuespillsamlingen skriver Couperin: "Når jeg skrev skuespill, hadde jeg alltid et bestemt emne i tankene. – Ulike omstendigheter antydet det for meg. Derfor samsvarer titlene med ideene jeg hadde da jeg komponerte. Ved å finne sitt eget, individuelle preg for hver miniatyr, skaper Couperin et uendelig antall alternativer for cembalo-tekstur – et detaljert, luftig, åpent stoff.

Instrumentet, svært begrenset i sine uttrykksmuligheter, blir fleksibelt, følsomt, fargerikt på Couperins egen måte.

En generalisering av den rike erfaringen til komponisten og utøveren, en mester som inngående kjenner mulighetene til instrumentet sitt, var Couperins avhandling The Art of Playing the Cembalo (1761), samt forfatterens forord til samlinger av cembalostykker.

Komponisten er mest interessert i instrumentets detaljer; han klargjør de karakteristiske fremføringsteknikkene (spesielt når man spiller på to tangenter), tyder utallige dekorasjoner. «Selve cembaloet er et strålende instrument, ideelt i sin rekkevidde, men siden cembalo verken kan øke eller redusere lydens kraft, vil jeg alltid være takknemlig for de som takket være deres uendelig perfekte kunst og smak vil være i stand til å gjør det uttrykksfullt. Dette er hva mine forgjengere ønsket, for ikke å snakke om den utmerkede komposisjonen til skuespillene deres. Jeg prøvde å perfeksjonere funnene deres.»

Av stor interesse er det kammerinstrumentale arbeidet til Couperin. To sykluser med konserter "Royal Concertos" (4) og "New Concertos" (10, 1714-15), skrevet for et lite ensemble (sekstett), ble fremført på hoffkammermusikkkonserter. Couperins triosonater (1724-26) var inspirert av A. Corellis triosonater. Couperin dedikerte triosonaten "Parnassus, or the Apotheosis of Corelli" til sin favorittkomponist. Karakteristiske navn og til og med hele utvidede plott – alltid vittige, originale – finnes også i Couperins kammerensembler. Dermed reflekterte programmet til triosonaten "Apotheosis of Lully" den da fasjonable debatten om fordelene med fransk og italiensk musikk.

Tankenes alvor og høyhet kjennetegner den hellige musikken til Couperin – orgelmesser (1690), motetter, 3 messer før påske (1715).

Allerede under Couperins liv var verkene hans viden kjent utenfor Frankrike. De største komponistene fant i dem eksempler på en klar, klassisk polert cembalostil. Så J. Brahms kalte JS Bach, GF Handel og D. Scarlatti blant studentene til Couperin. Forbindelser med cembalostilen til den franske mesteren finnes i pianoverkene til J. Haydn, WA ​​Mozart og den unge L. Beethoven. Tradisjonene til Couperin på et helt annet figurativt og innasjonalt grunnlag ble gjenopplivet ved begynnelsen av XNUMXth-XNUMXth århundrer. i verkene til de franske komponistene C. Debussy og M. Ravel (for eksempel i Ravels suite "The Tomb of Couperin".)

I. Okhalova