Igor Fyodorovich Stravinsky |
Igor stravinsky
…jeg ble født til feil tid. Av temperament og tilbøyelighet, som Bach, men i en annen skala, skulle jeg leve i uklarhet og skape regelmessig for den etablerte tjenesten og Gud. Jeg overlevde i verden jeg ble født inn i... jeg overlevde... til tross for utgiver-hucktering, musikkfestivaler, reklame... I. Stravinsky
… Stravinsky er en virkelig russisk komponist … Den russiske ånden er uforgjengelig i hjertet av dette virkelig store, mangefasetterte talentet, født av det russiske landet og vitalt forbundet med det … D. Sjostakovitsj
Det kreative livet til I. Stravinsky er en levende historie om musikken fra 1959-tallet. Det, som i et speil, gjenspeiler prosessene for utvikling av samtidskunst, nysgjerrig på jakt etter nye måter. Stravinsky fikk et rykte som en vågal undergraver av tradisjonen. I musikken hans oppstår et mangfold av stiler, som stadig krysser hverandre og noen ganger vanskelig å klassifisere, som komponisten fikk kallenavnet "mann med tusen ansikter" for fra sine samtidige. Han er som tryllekunstneren fra balletten "Petrushka": han beveger fritt sjangere, former, stiler på sin kreative scene, som om han underordnet dem reglene for sitt eget spill. Stravinsky hevdet at «musikk bare kan uttrykke seg selv», og forsøkte likevel å leve «con Tempo» (det vil si sammen med tiden). I «Dialoger», publisert i 63-1945, minnes han om gatelydene i St. Petersburg, Maslenitsa-festlighetene på Marsmarken, som ifølge ham hjalp ham å se Petrusjka hans. Og komponisten snakket om Symfonien i tre satser (XNUMX) som et verk knyttet til konkrete inntrykk av krigen, med minner om grusomhetene til Brunskjortene i München, som han selv nærmest ble et offer for.
Stravinskys universalisme er slående. Det manifesterer seg i bredden av dekningen av fenomenene i verdensmusikalsk kultur, i mangfoldet av kreative søk, i intensiteten av utøvende – pianistisk og dirigent – aktivitet, som varte i mer enn 40 år. Omfanget av hans personlige kontakter med fremragende mennesker er enestående. N. Rimsky-Korsakov, A. Lyadov, A. Glazunov, V. Stasov, S. Diaghilev, kunstnere fra "Kunstens verden", A. Matisse, P. Picasso, R. Rolland. T. Mann, A. Gide, C. Chaplin, K. Debussy, M. Ravel, A. Schoenberg, P. Hindemith, M. de Falla, G. Faure, E. Satie, de franske komponistene i gruppen Six – disse er navnene noen av dem. Hele livet var Stravinsky i sentrum av offentlig oppmerksomhet, i krysset mellom de viktigste kunstneriske banene. Geografien hans dekker mange land.
Stravinsky tilbrakte barndommen i St. Petersburg, hvor det ifølge ham «var spennende å bo». Foreldre søkte ikke å gi ham yrket som musiker, men hele situasjonen bidro til musikalsk utvikling. Huset lød konstant musikk (faren til komponisten F. Stravinsky var en kjent sanger fra Mariinsky Theatre), det var et stort kunst- og musikkbibliotek. Fra barndommen var Stravinsky fascinert av russisk musikk. Som ti år gammel gutt var han heldig å se P. Tsjaikovskij, som han idoliserte, og dedikerte ham mange år senere operaen Mavra (1922) og balletten Feens kyss (1928). Stravinsky kalte M. Glinka "helten i min barndom". Han satte stor pris på M. Mussorgsky, anså ham som "den mest sannferdige" og hevdet at det i hans egne skrifter er påvirkninger fra "Boris Godunov". Vennlige forhold oppsto med medlemmer av Belyaevsky-kretsen, spesielt med Rimsky-Korsakov og Glazunov.
Stravinskys litterære interesser dannet seg tidlig. Den første virkelige hendelsen for ham var boken til L. Tolstoy "Barndom, ungdomsår, ungdom", A. Pushkin og F. Dostoevsky forble idoler gjennom hele livet.
Musikkundervisningen begynte i en alder av 9. Det var pianotimer. Stravinskij begynte imidlertid på seriøse profesjonsstudier først etter 1902, da han som student ved det juridiske fakultetet ved St. Petersburg-universitetet begynte å studere hos Rimsky-Korsakov. Samtidig ble han nær med S. Diaghilev, artistene i "World of Art", deltok på "Evenings of Modern Music", konserter med ny musikk, arrangert av A. Siloti. Alt dette fungerte som en drivkraft for rask kunstnerisk modning. Stravinskys første komponeringseksperimenter – Piano Sonata (1904), Faun and the Shepherdess vokal og symfonisk suite (1906), Symfonien i Es-dur (1907), Fantastic Scherzo og Fyrverkeri for orkester (1908) er preget av innflytelsen av skolen Rimsky-Korsakov og de franske impresjonistene. Men fra det øyeblikket ballettene The Firebird (1910), Petrushka (1911), The Rite of Spring (1913), bestilt av Diaghilev for the Russian Seasons, ble satt opp i Paris, har det vært en kolossal kreativ start i sjangeren som Stravinsky i Han var spesielt glad i senere fordi ballett, med hans ord, er «den eneste formen for teaterkunst som setter skjønnhetsoppgavene og ingenting mer som en hjørnestein».
Balletttriaden åpner den første - "russiske" - perioden med kreativitet, oppkalt så ikke etter bosted (siden 1910 har Stravinsky bodd lenge i utlandet og i 1914 bosatt seg i Sveits), men takket være særegenhetene til musikalsk tenkning som dukket opp på den tiden, dypt vesentlig nasjonal. Stravinsky vendte seg til russisk folklore, hvis forskjellige lag ble brutt på en veldig særegen måte i musikken til hver av ballettene. Ildfuglen imponerer med sin sprudlende generøsitet av orkestrale farger, lyse kontraster av poetiske runddansetekster og brennende danser. I «Petrushka», kalt av A. Benois «ballettmuldyr», bymelodier, populære på begynnelsen av århundret, lyd, kommer det støyende brokete bildet av fastelavnsfestlighetene til live, som motvirkes av den lidendes ensomme skikkelse Petrusjka. Den eldgamle hedenske ofringsritualen bestemte innholdet i den "hellige våren", som legemliggjorde den elementære impulsen for vårfornyelse, de mektige kreftene til ødeleggelse og skapelse. Komponisten, som stuper ned i dypet av folklorearkaismen, fornyer så radikalt det musikalske språket og bildene at balletten gjorde inntrykk av en eksploderende bombe på hans samtid. "Gigant fyrtårn av XX århundre" kalte det den italienske komponisten A. Casella.
I løpet av disse årene komponerte Stravinsky intensivt, og arbeidet ofte med flere verk som var helt forskjellige i karakter og stil på en gang. Dette var for eksempel de russiske koreografiske scenene Bryllupet (1914-23), som på en eller annen måte gjentok Vårriten, og den utsøkt lyriske operaen Nattergalen (1914). Fortellingen om reven, hanen, katten og sauen, som gjenoppliver tradisjonene til bølleteateret (1917), ligger ved siden av The Story of a Soldier (1918), der russiske meloer allerede begynner å bli nøytralisert og faller inn i sfæren av konstruktivisme og jazzelementer.
I 1920 flyttet Stravinsky til Frankrike og i 1934 tok han fransk statsborgerskap. Det var en periode med ekstremt rik kreativ og utøvende aktivitet. For den yngre generasjonen franske komponister ble Stravinsky den høyeste autoritet, "musikalmesteren". Imidlertid mislykkedes hans kandidatur til det franske kunstakademiet (1936), de stadig sterkere forretningsbåndene med USA, hvor han to ganger med suksess ga konserter, og i 1939 holdt et kurs med forelesninger om estetikk ved Harvard University - alt dette fikk ham til å flytte i begynnelsen av den andre verdenskrigen i Amerika. Han slo seg ned i Hollywood (California) og aksepterte i 1945 amerikansk statsborgerskap.
Begynnelsen av den "parisiske" perioden for Stravinsky falt sammen med en skarp vending mot nyklassisisme, selv om det overordnede bildet av arbeidet hans var ganske variert. Med utgangspunkt i balletten Pulcinella (1920) til musikken til G. Pergolesi, skapte han en hel rekke verk i nyklassisistisk stil: ballettene Apollo Musagete (1928), Playing Cards (1936), Orpheus (1947); opera-oratoriet Oedipus Rex (1927); melodramaet Persephone (1938); operaen The Rake's Progress (1951); Oktett for blåsere (1923), Salmesymfoni (1930), Konsert for fiolin og orkester (1931) og andre. Stravinskys nyklassisisme har en universell karakter. Komponisten modellerer ulike musikalske stiler fra epoken til JB Lully, JS Bach, KV Gluck, med sikte på å etablere "ordens dominans over kaos." Dette er karakteristisk for Stravinsky, som alltid var preget av sin streben etter en streng rasjonell disiplin av kreativitet, som ikke tillot følelsesmessige overløp. Ja, og selve prosessen med å komponere musikk Stravinsky utførte ikke på et innfall, men "daglig, regelmessig, som en person med offisiell tid."
Det var disse egenskapene som bestemte særegenheten til det neste stadiet av kreativ evolusjon. På 50-60-tallet. komponisten stuper inn i musikken fra før-Bach-tiden, går over til bibelske, kultplott, og begynner fra 1953 å anvende en stivt konstruktiv dodekafonisk komponeringsteknikk. Sacred Hymn in Honor of the Apostle Mark (1955), ballett Agon (1957), Gesualdo di Venosas 400-årsjubileumsmonument for orkester (1960), kantate-allegori The Flood i ånden til de engelske mysteriene på 1962-tallet. (1966), Requiem ("Chants for the Dead", XNUMX) – dette er de mest betydningsfulle verkene på denne tiden.
Stravinskys stil i dem blir mer og mer asketisk, konstruktivt nøytral, selv om komponisten selv snakker om bevaring av nasjonal opprinnelse i sitt arbeid: «Jeg har snakket russisk hele livet, jeg har en russisk stil. Kanskje i musikken min er ikke dette umiddelbart synlig, men det er iboende i det, det er i dens skjulte natur. En av Stravinskys siste komposisjoner var en kanon over temaet til den russiske sangen "Not the Pine at the Gates Swayed", som ble brukt tidligere i finalen av balletten "Firebird".
Etter å ha fullført sitt liv og kreative vei, vendte komponisten tilbake til opprinnelsen, til musikk som personifiserte den fjerne russiske fortiden, lengselen som alltid var tilstede et sted i hjertets dyp, noen ganger bryte gjennom i uttalelser, og spesielt intensivert etter Stravinskys besøk i Sovjetunionen høsten 1962. Det var da han uttalte de betydningsfulle ordene: «En person har ett fødested, ett hjemland – og fødestedet er hovedfaktoren i livet hans».
O. Averyanova
- Liste over store verk av Stravinsky →
