Ivan Vasilyevich Ershov |

Ivan Ershov

"Hvis Sobinov var den mest perfekte av russiske lyriske tenorer, så tilhørte det samme stedet Ershov blant utøverne av heroisk-dramatiske tenorpartier," skriver DN Lebedev. – Den største representanten for den realistiske vokalskolen, Ershov, hevdet resolutt og levende sine prinsipper.

Ershovs arbeid var varmt, sprudlende, lidenskapelig fengslende. Som han var i livet, var han i ytelse. Kraften til overbevisning, enkelhet var en integrert del av hans kunstneriske natur.

Ikke rart at en av hans samtidige kalte ham Chaliapin blant tenorer.

Ivan Vasilyevich Ershov ble født 20. november 1867. "Min barndom var vanskelig," husket Ershov. – Jeg var i familiens «ekstra munn». Min mor jobbet som tjener i en familie med fattige grunneiere. Jeg skulle bli jernbaneingeniør. Han har allerede bestått eksamenene for tittelen assistentsjåfør og har gjentatte ganger reist til linjen og kjørt et damplokomotiv. Men den store Anton Rubinstein trakk oppmerksomheten til meg, en ung mann. Siden den gang har livet mitt vært dedikert til kunst, musikk.»

Ja, som det skjer, en sak hjalp ham. Ershov studerte ved jernbaneskolen i Yelets, ofte opptrådt på amatørkonserter. Hans ekstraordinære evner var ubestridelige. Her ble han hørt av professoren ved St. Petersburg-konservatoriet NB Pansh. Hun fortalte AG Rubinstein om en talentfull ung mann. Etter anbefaling fra den store pianisten ble gårsdagens maskinist elev av vokalklassen, ledet av Stanislav Ivanovich Gabel. Studieårene var ikke lette: all inntekt var 15 rubler i måneden, stipend og gratis lunsj.

I 1893 ble Ershov uteksaminert fra St. Petersburg-konservatoriet. Samme år debuterte han som Faust.

"Den unge sangeren gjorde ikke et positivt inntrykk," skriver AA Gozenpud. Han ble rådet til å dra til Italia for forbedring. Etter fire måneder med undervisning hos læreren Rossi debuterte han med stor suksess ved Regio Opera House. En ny suksess ga ham utførelsen av rollen som José i Carmen. Ryktet om Yershovs utenlandske forestillinger nådde Napravnik og Vsevolozhsky, og artisten ble tilbudt en ny debut. Karakteristisk nok skjedde dette etter at han fikk berømmelse i utlandet. Det er usannsynlig at 4 måneder med klasser med Rossi kan berike vokalkulturen hans betydelig. Tilbake til Russland opptrådte Ershov i Kharkov i sesongen 1894/95. Debuten på Mariinsky Theatre fant sted i april 1895 som Faust.

Denne forestillingen var også kjent for det faktum at en annen debutant, den unge bassen Fyodor Chaliapin, opptrådte som Mephistopheles. I fremtiden, som du vet, sang Chaliapin på nesten alle de store scenene i verden, og hele Ershovs kreative liv var praktisk talt begrenset til Mariinsky (senere Kirov) teater.

Til å begynne med sang Ershov en rekke tenorpartier her, men over tid ble det klart at hans egentlige kall var helteroller. Det var på denne veien at hans enestående evner ble avslørt ikke bare som sanger, men som sanger-skuespiller. Ershov skisserte sitt kunstneriske credo og skrev:

«Sangerens stemme er hjertets stemme. Ordet, ansiktsuttrykk, modulering av menneskeskikkelsen i tidens kostyme, i drakten til nasjonaliteten og dens klassetilhørighet; hans år, hans karakter, hans holdning til miljøet, etc. etc. – alt dette krever fra sangeren-skuespilleren en passende følelse for den tilsvarende fargen på lyden av stemmen hans, ellers er alt bel canto og bel canto, etc. osv. Realisme, sannhet i kunsten!..

Hvor mange endringer i klangfarger, farger, alle slags vokale vendinger kan det være i stemmen, men det er ingen sannhet, følelser i hjertet og ånden!

Faust og Romeo samsvarte ikke på noen måte med personligheten til kunstneren. Tannhäuser og Orestes brakte Ershov virkelig suksess. Takket være dem ble scenetalentet til den unge sangeren avslørt og styrken og uttrykksevnen til stemmen ble manifestert.

Kritikeren Kondratiev noterer med tilfredshet Ershovs opptreden i Oresteia: "Ershov gjorde et godt inntrykk ... delen ble skrevet gudløst sterk og opphøyd, og han kom ut av denne testen med ære." Etter den andre forestillingen: "Ershov gjorde en sensasjon i raseriscenen."

En annen kreativ seier for Ershov var hans opptreden i operaen Samson og Delilah. Om ham skrev Kondratiev: "Ershov utførte Samson perfekt." Han vant ny suksess i Sobinin-delen, og sang den vanligvis savnede arien med koret «Brødre, i en snøstorm». Den inneholder flere ganger den øvre "C" og "D-flat", tilgjengelig for få tenorer. Nesten alle representantene for musikalen St. Petersburg kom til denne forestillingen, og Figner fulgte klaveren for å se om sangeren ville tillate noen avvik fra originalen.

Kondratiev bemerket i dagboken sin: "Arien er skrevet i et så uvanlig høyt register at den skremmer selv når den leser den. Jeg var redd for Yershov, men han kom ut av denne testen med ære. Spesielt subtilt fremførte han den midterste delen av cantabile, publikum ringte ham øredøvende og krevde en repetisjon, han oppfylte publikums krav og sang roligere og enda bedre for andre gang.

Ershov gjenskapte også bildet av Finn i Ruslan og Lyudmila på en helt ny måte. BV skrev om dette. Asafiev: "Ytelse er en levende kreativitet, synlig håndgripelig, fordi det "stemmede ordet", i brytningen som Yershov får, fungerer som et ledd i den kontinuerlige (i denne lydsfæren) flyten av prosessen med å forme hvert øyeblikk, hvert åndelig bevegelse. Både skummelt og gledelig. Det er skummelt fordi blant de mange menneskene som er involvert i opera som kunst, er det svært, veldig få som er bestemt til å forstå den fulle dybden og kraften i uttrykket som ligger i den. Det er gledelig fordi, når du lytter til Yershovs opptreden, kan du på et øyeblikk føle noe som ikke er avslørt i noen avhandlinger og som ikke kan formidles av noen beskrivelse: skjønnheten i livets slag i manifestasjonen av følelsesmessig spenning gjennom musikalsk lyd, meningsfull av ordet.

Hvis du ser på listen over operapartier fremført av Ershov, så er han, som enhver stor artist, preget av både rikdom og mangfold. Det bredeste panoramaet – fra Mozart, Weber, Beethoven og Bellini til Rachmaninoff, Richard Strauss og Prokofiev. Han hadde utmerkede prestasjoner i operaene til Glinka og Tchaikovsky, Dargomyzhsky og Rubinstein, Verdi og Bizet.

Imidlertid ble et monument i operakunstens historie reist av den russiske sangeren til seg selv med to topper. En av dem er den storslåtte fremføringen av deler i Wagners verk. Ershov var like overbevisende i Lohengrin og Tannhäuser, Valkyrie and Rhine Gold, Tristan and Isolde og The Death of the Gods. Her fant sangeren et spesielt komplekst og givende materiale for å legemliggjøre sine kunstneriske prinsipper. "Hele essensen av Wagners verk er fylt av handlingens enorme," understreket sangeren. — Musikken til denne komponisten er ekstremt scenisk, men den krever eksepsjonell tilbakeholdenhet av den kunstneriske nerven i tempoet. Alt skal heves – et blikk, en stemme, en gest. Skuespilleren må kunne spille uten ord i de scenene hvor det ikke er sang, men bare kontinuerlig lyd. Det er nødvendig å matche tempoet i scenebevegelsen med musikken til orkesteret. Hos Wagner er musikk, billedlig talt, naglet til skuespiller-sangeren. Å bryte denne tilknytningen betyr å bryte enheten mellom scene og musikalske rytmer. Men denne samme uatskillelighet binder ikke skuespilleren og dikterer ham den nødvendige majestet, monumentalitet, en bred, saktegående gest, som på scenen samsvarer med ånden i Wagners musikk.

Cosima Wagner, komponistens enke, skrev til sangeren den 15. september 1901: «Mange venner av vår kunst og mange kunstnere, inkludert fru Litvin, fortalte meg om din fremførelse av kunstverkene våre. Jeg spør deg om veien din en dag vil ta deg gjennom Bayreuth og om du vil stoppe der for å snakke med meg om den tyske fremføringen av disse verkene. Jeg tror ikke at jeg noen gang vil få muligheten til å reise til Russland, og det er derfor jeg sender denne forespørselen til deg. Jeg håper at studiene dine vil tillate deg en ferie og at denne ferien ikke er for fjern. Vennligst godta min dype respekt."

Ja, berømmelsen til en Wagner-sanger har holdt seg til Yershov. Men det var ikke så lett å bryte dette repertoaret opp på scenen.

"Hele veien til det gamle Mariinsky-teateret var fiendtlig mot Wagner," husket Ershov i 1933. Wagners musikk møtte forsiktig fiendtlighet. Lohengrin og Tannhäuser ble fortsatt på en eller annen måte tillatt på scenen, og gjorde disse romantisk-heroiske operaene til stereotype forestillinger av italiensk stil. Filisterrykter ble gjentatt om at Wagner ødela stemmene til sangere og overdøve publikum med torden fra orkesteret. Det var som om de hadde kommet til enighet med den trangsynte Yankee, helten i Mark Twains historie, som klager over at musikken til Lohengrin er øredøvende. Det er Lohengrin!

Det var også en støtende, til og med fornærmende holdning til den russiske sangeren: «Hvor skal du gå med din uforberedthet og din mangel på kultur for å ta imot Wagner! Du får ikke noe." I fremtiden tilbakeviste livet disse offensive spådommene. Mariinsky-scenen fant blant sine skuespillere mange utmerkede utøvere av delene av Wagner-repertoaret ... "

En annen enestående topp erobret av sangeren er delen av Grishka Kuterma i Rimsky-Korsakovs opera The Legend of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia. Rimsky-Korsakov-teatret er også Yershov-teatret. Sadko er et av sangerens mesterverk, som ble bemerket av komponisten selv. Han fremførte suverent Berendey i The Snow Maiden, Mikhail Tucha i The Maid of Pskov. Men den høyeste prestasjonen til sangeren er opprettelsen av bildet av Grishka Kuterma, han spilte først denne rollen i 1907.

Regissøren av den minneverdige forestillingen VP Shkaber sa: «Kunstneren følte dypt elementene i den største lidelsen og menneskelig sorg, druknet i en beruset stupor, hvor menneskeliv gikk tapt for ingenting. Scenen for hans galskap, individuelle øyeblikk med tatarene i skogen, med Fevronia - alle disse kreative opplevelsene til kunstneren-kunstneren var så store at bildet av Grishka utført av Yershov er verdig ikke bare beundring, men også den dypeste beundring for talentet til kunstneren: så fyldig, fargerik, med stor dyktighet avslørte han de mest subtile følelsene til helten sin … Rollen som Grishka ble fullført av ham til minste detalj, med skulpturell fullstendighet – og dette var i forhold til ekstrem stigning.

Andrei Nikolaevich Rimsky-Korsakov, som henvendte seg til kunstneren på vegne av komponistens familie, skrev: "Jeg personlig, så vel som andre medlemmer av familien til Nikolai Andreevich, på hvis vegne jeg snakker her, husker hvor høyt forfatteren av Kitezh satte pris på ditt kunstneriske talent, og spesielt med hvilken tilfredsstillelse han så på hans hjernebarn Grishka Kuterma i form av Ershov.

…Din tolkning av rollen som Kuterma er så dyp og individuell at du må gjenkjenne avgjørende uavhengighet i dette kunstneriske innlegget. Du har investert i Grishka en stor del av din levende, menneskelige sjel, derfor har jeg rett til å si at akkurat som det ikke er og ikke kan være en andre Ivan Vasilievich Ershov, så er det ikke og kan ikke være en slik andre Grishka.

Og før 1917, og i årene etter revolusjon, ble den russiske tenoren tilbudt lukrative kontrakter i utlandet. Imidlertid var han hele livet trofast til scenen der hans kreative vei begynte - Mariinsky Theatre.

Journalisten og romanforfatteren AV Amfiteatrov gratulerte sangeren med 25-årsjubileet for hans kreative aktivitet, og skrev spesielt til Ivan Vasilyevich: "Hvis du ønsket å snakke på turné, ville du vært milliardær for lenge siden. Hvis du gikk ned til slike reklametriks, som er så vanlige i det nåværende kunstneriske miljøet, ville begge halvkulene blitt fylt med et skrik om deg for lenge siden. Men du, en streng og klok kunstprest, gikk forbi alt dette skravlet og hypen uten engang å kaste et blikk i hennes retning. Når du står ærlig og beskjedent i den "herlige posten" du har valgt, er du et nesten enestående, makeløs eksempel på kunstnerisk uavhengighet, og avviser foraktelig alle fremmede kunstmidler for suksess og overvekt blant kameratene dine ... Du har aldri misbrukt din innflytelse som en uerstattelig kunstner i for å "vinne rolle" for egoistisk å bringe inn i kunstens tempel et uverdig, lavverdig verk.

En ekte patriot, Ivan Vasilievich Ershov, som forlot scenen, tenkte stadig på fremtiden til musikkteateret vårt, tok entusiastisk opp kunstnerisk ungdom ved Operastudioet til Leningrad-konservatoriet, iscenesatte verk av Mozart, Rossini, Gounod, Dargomyzhsky, Rimsky-Korsakov , Tsjaikovskij, Rubinstein der. Med stolthet og beskjedenhet oppsummerte han sin kreative vei med følgende ord: «Når jeg jobber som skuespiller eller musikklærer, føler jeg meg først og fremst en fri borger som etter beste evne arbeider for det sosialistiske samfunnets beste ."

Ivan Vasilyevich Ershov døde 21. november 1943.