Edison Vasilyevich Denisov |

Edison Denisov

Den uforgjengelige skjønnheten til store kunstverk lever i sin egen tidsdimensjon, og blir den høyeste virkeligheten. E. Denisov

Russisk musikk i vår tid er representert av en rekke store skikkelser. Blant de første av dem er muskovitten E. Denisov. Etter å ha studert pianospill (Tomsk Music College, 1950) og universitetsutdanning (fysikk- og matematisk fakultet ved Tomsk University, 1951), gikk den tjueto år gamle komponisten inn på Moskva-konservatoriet til V. Shebalin. Årene med leting etter eksamen fra konservatoriet (1956) og forskerskolen (1959) var preget av innflytelsen fra D. Shostakovich, som støttet talentet til den unge komponisten og som Denisov ble venn med på den tiden. Da den unge komponisten innså at konservatoriet lærte ham å skrive, og ikke hvordan han skulle skrive, begynte den unge komponisten å mestre moderne komposisjonsmetoder og søke etter sin egen vei. Denisov studerte I. Stravinsky, B. Bartok (den andre strykekvartetten – 1961 er dedikert til hans minne), P. Hindemith (“og satte en stopper for ham”), C. Debussy, A. Schoenberg, A. Webern.

Denisovs egen stil tar form gradvis i komposisjonene på begynnelsen av 60-tallet. Den første lysende starten på den nye stilen var "The Sun of the Incas" for sopran og 11 instrumenter (1964, tekst av G. Mistral): naturens poesi, med ekko av de eldste animistiske bildene, vises i en antrekk av klangfulle iriserende intense musikalske farger. En annen fasett av stilen er i Three Pieces for cello and piano (1967): i de ekstreme partiene er det musikk med dyp lyrisk konsentrasjon, en spent cello cantilena med de mest delikate klangene fra pianoet i et høyt register, i motsetning til den største rytmiske energien av asymmetriske "punkter, stikk, smell", til og med "skuddene" til et gjennomsnittlig spill. Den andre klavertrioen (1971) grenser også til her – musikk av hjertet, subtil, poetisk, konseptuelt betydningsfull.

Denisovs stil er allsidig. Men han avviser mye aktuelt, moteriktig innen moderne musikk – imitasjon av andres stil, nyprimitivisme, estetisering av banalitet, konform altetende. Komponisten sier: "Skjønnhet er et av de viktigste konseptene i kunst." I vår tid har mange komponister et håndgripelig ønske om å søke etter ny skjønnhet. I 5 stykker for fløyte, to pianoer og perkusjon, Silhouettes (1969), dukker portretter av kjente kvinnelige bilder opp fra det brokete lydstoffet – Donna Anna (fra WA-Mozarts Don Juan), Glinkas Lyudmila, Lisa (fra The Queen of Spar) P. Tsjaikovskij), Lorelei (fra en sang av F. Liszt), Maria (fra A. Bergs Wozzeck). Fuglesang for preparert piano og tape (1969) bringer aromaen av den russiske skogen, fuglestemmer, kvitring og andre naturlyder inn i konsertsalen, kilden til rent og fritt liv. "Jeg er enig med Debussy i at det å se soloppgangen kan gi en komponist mye mer enn å lytte til Beethovens pastorale symfoni." I stykket "DSCH" (1969), skrevet til ære for Sjostakovitsj (tittelen er hans initialer), brukes et bokstavtema (Josquin Despres, JS Bach, Sjostakovitsj komponerte selv musikk om slike temaer). I andre verk bruker Denisov mye den kromatiske intonasjonen EDS, som lyder to ganger i hans navn og etternavn: EDiSon DEniSov. Denisov ble sterkt påvirket av direkte kontakt med russisk folklore. Om syklusen «Lamentations» for sopran, perkusjon og piano (1966) sier komponisten: «Det er ikke en eneste folkemelodi her, men hele vokallinjen (generelt, til og med instrumental) er forbundet på den mest direkte måten med Russisk folklore uten noen øyeblikk av stilisering og uten noen sitater».

En fantastisk kombinasjon av den utsøkte skjønnheten til raffinerte lyder og absurdistisk tekst er hovedtonen i den tisatsede syklusen "Blue Notebook" (på linjene til A. Vvedensky og D. Kharms, 1984) for sopran, leser, fiolin, cello , to pianoer og tre grupper med bjeller. Gjennom den utrolige groteske og bitende alogismen («Gud vanskte bort i et bur der uten øyne, uten armer, uten ben …» – nr. 3), bryter plutselig tragiske motiver igjennom («Jeg ser en forvrengt verden, jeg hører hvisken av dempet lyrer» – nr. 10).

Siden 70-tallet. stadig mer Denisov vender seg til store former. Dette er instrumentalkonserter (St. 10), et herlig Requiem (1980), men det er snarere et oppløftet filosofisk dikt om menneskelivet. De beste prestasjonene inkluderer fiolinkonserten (1977), den lyrisk gjennomtrengende cellokonserten (1972), den mest originale Concerto piccolo (1977) for en saksofonist (som spiller forskjellige saksofoner) og et enormt perkusjonsorkester (6 grupper), balletten "Confession". ” av A. Musset (post . 1984), operaen “Foam of Days” (basert på romanen av B. Vian, 1981), fremført med stor suksess i Paris i mars 1986, “Four Girls” (basert på P. Picasso, 1987). En generalisering av den modne stilen var Symfonien for stort orkester (1987). Ordene til komponisten kan bli en epigraf til den: "i musikken min er lyrikk det viktigste." Bredden av symfonisk pust oppnås ved et mangfoldig utvalg av lyriske sonoriteter – fra de mest milde pusten til mektige bølger av uttrykksfulle trykk. I forbindelse med 1000-årsjubileet for Russlands dåp, skapte Denisov et stort verk for koret a cappella "Quiet Light" (1988).

Denisovs kunst er åndelig knyttet til "Petrine"-linjen i russisk kultur, tradisjonen til A. Pushkin, I. Turgenev, L. Tolstoy. Den streber etter høy skjønnhet, og motsetter seg tendensene til forenkling som er hyppige i vår tid, poptenkningens altfor vulgære lett tilgjengelighet.

Y. Kholopov